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Man on The Moon. La persona y el personaje.

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Milos Forman es un director con una trayectoria como mínimo, curiosa. Ha conocido el éxito más abrumador (Amadeus, Alguien voló sobre el nido del cuco) y el fracaso más doloroso (Hair, Valmont).

Rueda bastante poco y en los últimos años, parece que ha sido olvidado por el gran público.
Para mí, sin embargo, sus trabajos más interesantes son dos películas que rodó a finales de los 90 en las que abandona las grandiosas recreaciones de época: El Escándalo de Larry Flynt y Man on the Moon.

Estos dos títulos constituyen algo así como un díptico, o eso creo yo, no solo por haber sido dirigidas en tan solo tres años, un período corto para el director, sino el tema tratado: en concreto dos biografías atípicas cuyos hechos principales suceden básicamente en las décadas de los 70-80. Sin embargo, también hay muchos puntos, sobre todo de enfoque, que separan ambas cintas.

Podríamos decir que El escándalo de Larry Flynt pretende desmitificar a un hombre con una imagen pública desastrosa, o contarnos quién es la persona detrás de una (demonizada) personalidad pública.

No tanto justificándolo o haciéndole parecer mejor, sino convirtiéndolo en una persona más, desmitificándolo tanto para lo bueno como para lo malo. Y sobre todo describiéndolo como una persona con una voluntad de hierro para seguir defendiendo su causa ante todo.

Aunque su causa sea editar una revista de pésimo gusto de mujeres desnudas, que todo hay que decirlo.

Man on The Moon, por su parte, se centra en la vida de Andy Kauffman, actor norteamericano que alcanzó un gran éxito con la telecomedia Taxi pero cuya labor creativa iba mucho más allá de interpretar un personaje cómico en una serie popular.

Al igual que lo que me interesa de la película protagonizada por Woody Harrelson (un actor al que detesto pero que funciona perfectamente en este título) es la defensa de la libertad de expresión, mucho más que lo que al final expresa el pornógrafo, desconozco la obra de Andy Kauffman de Man on The Moon, e ignoro si congenio o no, con su humor.

Esta es otra de las virtudes de Man on the Moon, puede ser vista por los fans del cómico americano y por los que desconocíamos por completo su figura.

La película no es un biopic al uso (gracias Milos Forman!) ni mucho menos una hagiografía, ni una bonita recreación de una época y unos episodios bien conocidos de la vida de un triunfador (como De-lovely) sino que pretende llegar al núcleo de lo que Andy Kauffman fue como artista.

O mejor dicho de lo que fue como persona y como artista, pero planteándolo como un todo indivisible, ya que gran parte del interés de Kauffman se encuentra en que - al parecer - ambas facetas de su vida no se podían dividir.

Crear un personaje para amparar la personalidad real, o incluso que te lo creen y solo te toque interpretarlo en la vida, es un gran riesgo en el que han caído personas de lo más variadas a la hora de afrontar una vida pública. Desde el patético concursante de Gran Hermano que comienza a hablar de sí mismo en tercera persona, a un actor tan ilustre como Cary Grant, que afirmó que él mismo también quería ser Cary Grant.

El problema de Kauffman, o por lo menos del Kauffman que yo conozco, el cinematográfico, o sea, que ya es un personaje, fue el jugar ¿demasiado? con los personajes que había creado, al parecer de forma totalmente voluntaria, pero que en ocasiones degeneró en momentos privados tan lamentables como el protagonizado con sus padres y hermanos cuando... mejor no desvelar más.

Aunque la narración sea convencional, uno de los grandes méritos de la película está en seguir con este juego del protagonista e introducir ciertas escenas equívocas entre el propio Kauffman y su amigo y colaborador Bob Zmuda, interpretado por Paul Giamatti.

Igualmente es interesante que George Shapiro, el gerifalte de la telecomedia americana que le permitió a Kauffman dar el gran salto en su carrera, aparezca en esta película, pero sin interpretarse a sí mismo, ya que el que interpreta a Shapiro, es Danny DeVito, que a su vez fue compañero de Kauffman en Taxi y por lo tanto conoció de primera mano a Shapiro, y a Marilu Henner otra compañera de la serie, que sí se interpreta a sí misma y que ¿os habéis hecho un lío con tanto "que a su vez"? Pues de eso se trata.
Kauffman (con mono blanco) y el reparto de Taxi


Desgraciadamente, esta película incomprensiblemente  "hereda" de El Escándalo de Larry Flynt a una de sus ¿actrices? Courtney Love. Que si bien no realiza un mal trabajo, no puedo dejar de preguntarme si no había cientos de actrices más capacitadas para interpretar a la novia de Kauffman.

Capítulo aparte merece la interpretación de Jim Carrey, un actor que consigue redimirse de todo lo que tenga que redimirse gracias a esta papel que me parece que interpreta con un cariño y una sinceridad especiales. Una elección de casting sumamente acertada, no solo por el talento que despliega sino porque si hay alguien que sepa de éxito y fracasos clamorosos, de vivir marcado por un personaje y por el encasillamiento, es Carrey.

Respecto a Paul Giamatti, no destacaré su magnífico trabajo, como es habitual en él, sino que me sirve como otro nexo de unión con el título que comentaré próximamente American Splendor.

Y aprovecho para decir que este "próximamente" significa en unos mesecitos, tiempo que necesito por razones personales y porque quiero someterme a un tratamiento para dejar de decir cosas como "mesecitos"

Loque

Imágenes de Filmaffinity y de Wikipedia


Dogville

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Sobran las presentaciones cuando se trata de Lars Von Trier,ese director maldito adorado y odiado a partes iguales que ha dado al cine películas como "Bailar en la oscuridad""Melancholia", Nymphomaniac volumen I y II o la que hoy nos ocupa aquí "Dogville".


Dogville es una película de 177 minutos que Lars dirigió en 2003.
En cuanto a la forma ya es toda una revolución.No recuerdo nunca antes haber visto una película en la que la puesta en escena sea solo un único escenario,donde no hay paredes y las divisiones en cuanto a las casas y las dependencias ,están marcadas en el suelo,¿es teatro? ¿es cine? así se las gasta el director danés.
En el reparto encontramos a actrices de la talla de Nicole Kidman,Lauren Bacall o Patricia Clarkson.

Grace (Nicole kidman) llega al remoto pueblo de Dogville huyendo de una banda de gángsters. Los ciudadanos acceden a esconderla convencidos por Tom Edison (Paul Bettany), ,un lugareño joven aspirante a escritor.

La historia se divide en nueve capítulos que narran las vivencias de Grace con el resto de los vecinos.Grace huye del MAL y cree haber encontrado en los habitantes de Dogville la solución a sus problemas.Sin embargo,cuando la policía estrecha la vigilancia del pueblo a fin de dar con la fugitiva,los ciudadanos de Dogville exigirán a Grace un sinfín de servicios a cambio de mantenerla a salvo y en el anonimato.

Lo que en principio parece un intercambio de trabajo por seguridad,va degenerando en una serie denigrante de humillaciones,abusos y actos perversos en general ,que pondrán al descubierto la maldad extrema de los lugareños,actos que creen justificados debido a su supuesta clemencia y piedad para con Grace.

 A partir de aquí el provocador de Lars nos invita a hacernos mil preguntas en torno a la condición humana,diferente y a la vez igual,en cualquier parte del planeta:


- ¿ existe la bondad intrínseca en el ser humano o por el contrario la solidaridad siempre responde a una compensación egoísta camuflada?

-¿ está el poder (sea en la dosis que sea) estrechamente ligado al abuso y la explotación?

-  definitivamente ¿la maldad genera maldad?
y al hilo de la venganza, cito textual:
"¿Por qué piensas que todo el mundo merece ser perdonado por tí? ¿Acaso crees que es arrogante por tu parte impartir justicia?"


Y sabiendo como es este director y las obsesiones que le persiguen en torno a la religión:

-¿acaso no se está poniendo en entredicho algunos preceptos judeocristianos tales como la bondad o aquello de "poner la otra mejilla" en favor del sadismo y la venganza?

Una podría pensar que aquí en Dogville,la doble moral es la consigna y los pecados se cometen al amparo de una máscara de falsa piedad.

Sociedad vacía de valores y mercantilista,egoísta,soberbia,mezquina y cruel.Así nos pinta Lars Von Trier Dogville,como si ese pueblo no pudiera ser el reflejo de muchas de nuestras sociedades donde campan libremente la mentira,las falsas apariencias y el cinismo.De hecho,no en vano este pueblo podría estar ubicado en Colorado y durante los años de la depresión,pero también en cualquier otro momento y en cualquier otro lugar.

Se deduce por tanto cierta desesperanza y falta de fe en el género humano,como si de una causa perdida se tratara,especialmente cuando se tiene el poder sobre otro ser/seres humanos.
Da la impresión de que el mal puede crecer en cualquier parte,si se dan las condiciones adecuadas.

Y al hilo de esta idea,otra conclusión:el poder corrompe.Y la sociedad está plagada de lobos con piel de cordero.
Eso y todo lo que el espectador/a deduzca de esta narración casi teatral,porque no hay nada que nos distraiga de la reflexión filosófica: ni decorados ni acción.
El director apela a la nuestra creatividad y nuestra capacidad de análisis para explorar las razones de una u otra conducta,si nos sentimos incómodos o no,carece de relevancia,porque la película es incisiva,dura,profunda,incluso perversa.


De ahí que incluso ese final de tragedia griega,dentro de su brutalidad,nos parezca coherente con la sed de venganza, viniendo de un corazón humilde masacrado por la maldad,maldad que por cierto viene de ciudadanos de lo más diversos: hombres,mujeres,niños,viejos,discapacitados....todos diferentes y a la vez homogéneos al dejar sacar sus demonios ante una mujer sola,en principio indefensa.

Hay una reflexión intrínseca sobre la conciencia colectiva,de cómo se convierte en tirana y termina sometiendo al individuo,que al final ni es libre,ni pinta nada.Es el propio grupo quien dictamina lo que está permitido,lo que es lícito y lo que no y los límites los lleva tan lejos como estima,siempre y cuando sus actos estén aparentemente justificados de cara a la galería.


Aquí bien podríamos extrapolar el análisis a los estados que se valen de discursos bien construidos y argumentados para dictaminar leyes que no siempre son justas,ni responden al respeto por los derechos y la libertades individuales.También aplicable a las empresas y las multinacionales,donde los intereses del grupo prevalecen y si es preciso,anulan y aplastan.


Si buscáis una película con la que evadiros, no os decantéis por Lars Von Trier,porque ni hay acción ni efectos especiales ni nada que remita a la superficialidad o la ligereza.Si en cambio,sois de quienes disfrutan de los dilemas morales o simplemente tenéis uno de esos días en que os apetece profundizar,"Dogville" es una clara provocación donde la condición humana no sale precisamente bien parada. tal vez por eso,esta mirada en un espejo poco complaciente, no deja de ser una experiencia única para el espectad@r.

¡Feliz fin de semana zinéfil@s!



Troyana

Barbarella

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-Un momento, voy a ponerme algo.
-No hace falta.

"Barbarella" Roger Vadim
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Año 40.000. El universo es un lugar tranquilo y hortera cuya paz se verá amenazada por un científico malvado que ha inventado un arma (totalmente obsoletas en el futuro) y se refugia en el planeta Lithion. Para capturarle el Presidente de la Tierra enviará a Barbarella, una rubia caderona con la personalidad de la abeja Maya a la que seguiremos en sus aventuras por el extraño planeta del que saldrá triunfante (y probablemente embarazada de un señor francés) tras su paso por SoGo, la ciudad del mal.

Cuando me invitaron a participar en Zinéfilaz acepté enseguida, no obstante tardé un poco en decidir qué peli me serviría para debutar en estos lares. Tenía claro que sería un clásico ya que en mi blog no hablo de pelis anteriores al año 2000 y me apetecía mucho, pero quería que fuese una película distinta, original, ni comedia ni drama a la que poder sacar jugo. "Barbarella" reúne todas esas condiciones, pero para analizarla como es debido hay primero que ponerse en situación.

Corría 1968, año que vio el asesinato de Kennedy, el triunfo de Massiel en Eurovision y el nacimiento del que con los años se convertiría en el deportista más rico de la historia. La cultura hippie se había asentado en los Estados Unidos durante la Guerra de Vietnam y Star Trek era un éxito en la televisión yanki. En realidad es erróneo decir que Barbarella fue producto del boom trekkie, pues fue creada años antes de que Spock y compañía viesen la luz, pero es inevitable pensar que Star Trek ayudó con su triunfo a que Barbarella pasase del cómic al cine.

Y es que Barbarella nació en las páginas de un cómic erótico francés fruto de la revolución sexual de los sesenta, lo cual ayuda a entender la total endeblez del argumento, así como el vestuario, desnudos y momentos eróticos culminados directamente en proposiciones sexuales que experimenta la prota y se resumen a la perfección en las frases que encabezan el post y extraje de la charla que tiene lugar nada más empezar la peli, cuando Barbarella recibe en pelotas al Presidente.

Teniendo todo esto en cuenta podemos, ahora sí, evaluar "Barbarella" con algo más de conocimiento. El resumen más simple y claro sería decir que la película es una basura infumable y bochornosa que sólo disfrutarán los admiradores del muslamen de Jane Fonda, y no mentiría.

El argumento es un ir de allá para acá sin sentido entre personajes estúpidos con los que tendrá diálogos patéticos mientras atraviesan escenarios chapuceros. Respecto a los efectos especiales, sería cruel hacer sangre, pero también merece la pena apuntar que en "Jason y los argonautas" de 1963 estaban infinitamente más conseguidos, por no hablar del vestuario del personal.

Dicho esto, ¿cómo es posible que estemos hablando de una peli de culto?. Pues por el mismo motivo por el que me niego a suspenderla. Ya en su día el filme resultó un tostón y fracasó en taquilla, pero consagró a Jane Fonda como sex symbol y con el tiempo Barbarella se convirtió en un icono pop e influyó en el diseño de otras heroínas de cómic. Hoy, décadas más tarde y sin ningún interés sexual por la prota, encuentro "Barbarella" entrañable. Al igual que su protagonista, la peli es ingenua, incluso en los momentos que pretende ponerse picante y la ingenuidad por si misma no es ni buena ni mala. "Barbarella" tampoco, quizá cueste defenderla, pero da pena meterse con ella.

-Lo mejor:

·En el aspecto personal no es una tía que me caiga muy allá, pero Jane Fonda siempre me resulta muy simpática en sus pelis. Tenía una sonrisa muy graciosa y borda el papel.

·Realmente las únicas escenas que me gustaron fueron cuando habla con el Presidente y luego cuando el barbudo aquel le pide montárselo con ella.

-Lo peor:

·Analizar la trama es una bobada, pero la parte en SoGo se hace aburrida.

-Preguntas:

·Probablemente os preguntéis cómo una estrella del calibre de Jane Fonda, hija de Henry Fonda y con varios éxitos a sus espaldas, aceptó participar en esta cosa. La respuesta es que estaba casada con el director, y ahí está la verdadera pregunta. Cómo este señor estuvo casado con Jane Fonda, Brigitte Bardot (en quien, por cierto, se inspiró el creador de Barbarella) y tuvo un hijo con Catherine Deneuve es uno de esos misterios inexplicables de la vida.



Nota: ¿ ?

Dentro de las pelis malas "Barbarella" es mítica y ese halo que desprende hace que me sea imposible calificarla.
Fácilmente podría ponerle un cero, incluso teniendo en cuenta la época en la que se rodó, y quedarme tan ancha, pero, sin recomendarla, creo que con la mentalidad adecuada es hasta disfrutable. 
Esa banda sonora en la que de un momento a otro parece que va a cantar Julio Iglesias... ese vestuario a lo Lady Gaga... esos escenarios de "Los mundos de Yupi"... esa escena en la que es atacada por un grupo de periquitos... ese villano patético que encima se llama Duran Duran (el grupo cogió el nombre de aquí)... ese cardado a vida o muerte... ¿en qué otra peli podríais encontrar todo esto?.

















Doctora

The Newsroom

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Mi respuesta es sí

Buscando documentación para este articulito he encontrado en un blog de El País un post cuyo título preguntaba"¿Ha sido The Newsroom una serie fallida?". Mi respuesta es sí y los acontecimientos lo han confirmado, pues lo que se lanzó como una apuesta potentísima y llamada a perdurar, solo alcanzó a vivir dos temporadas y media.


Por si no conocéis la serie o no la habéis visto

Pasaos por su entrada en la Wikipedia: trae la ficha técnica y una sinopsis del argumento. Si la habéis visto y ya sabéis de qué va, podéis saltaros este apartado y cavilar conmigo con la siguiente pregunta:


Si The Newsroom lo tiene todo, ¿por qué no funciona?

Dios me libre de meterme en la cabeza de Aaron Sorkin, pues habrá laberintos cretenses menos intrincados. Así y todo, voy a meterme un poquito, para deciros qué pensó cuando creó la serie.
Fue así: el bueno de Aaron Sorkin amaneció un día en su bonita casa de California y mientras ingería un delicioso y nutritivo desayuno y desde su terraza contemplaba una naturaleza de hermosura desbordante, pensó: (esto de los dos puntos dentro de dos puntos no es ortográficamente ortodoxo, pero, si lo hace Carrère, puedo hacerlo yo) Voy a crear la metaserie, la madre de todas las series, que lo tenga todo, todo, todo; todos los ingredientes del éxito. Tendrá la trepidación de una redacción de informativos, como en Lou Grant o Murphy Brown, el contenido político y la solemnidad de El ala oeste de la Casa Blanca, la tensión sexual de Un hombre en casa, los enredos erótico-laborales de Urgencias, las conversaciones entrecruzadas de House los sus puntitos de sorna de The Good Wife y el walk and talk de todas ellas.

Pero todas esas valiosas piezas las ensambló mal: las junturas no encajan, chirrían al rozar unas con otras y hacen saltar chispas indigestas.


Cosas que no gustaron en The Newsroom

Tras dos temporadas emitidas, el mismo Sorkin se dio cuenta de que el invento no chutaba y en el festival de Tribeca, en un alarde de humildad quizás exagerada, pidió perdón. Parece ser que a la clase periodística en general no le había sentado bien que Sorkin utilizara noticias reales, que habían sucedido solo unos meses antes, ante las cuales sus chicas y chicos de la redacción de Atlantis Cable News (ACN) , reaccionaban ejemplarmente, comme il faut, como dictan las viejas lejes del periodismo quijotesco. A más de uno le pareció que Sorkin le estaba dando lecciones y no le hizo gracia.

Otro asunto que ha podido tener que ver con el fracaso de la serie es la leña que Will le da al Tea Party, investido, además, de la autoridad que le confiere el ser republicano desde la cuna: "No conocí a un demócrata hasta que fui a la universidad", dice en un episodio de la primera temporada.
En esa misma primera temporada tiene Will un speech ante la cámara absolutamente destructivo; no deja títere con cabeza en la facción de Palin y compañía. No sería de extrañar que alguien de entre sus filas, donde hay gente muy muy poderosa, hubiera puesto a The Newsroom en el punto de mira de los rifles que reivindican.


Pero a mí lo que no me gustó fue otra cosa

Los ataques al Tea Party para mí son de lo mejor de la serie y lo de las noticias reales me parece una gran idea: inventar noticias falsas es arduo y arriesgado. Además, si utilizas noticias verdaderas, te ahorras tener que explicarlas, contextualizarlas, ante la audiencia: ya sabe todo el mundo qué pasó; saben incluso más que los personajes y eso enriquece la ficción.

Fue, por tanto, otra cosa lo que no me gustó en The Newsroom: en general, una intensidad que fatiga y que no te tragas y varias cositas más.

Decía Sorkin que él quería mostrar a gente que es muy buena en su trabajo y un desastre en su vida privada. Así, en ACN hay periodistas geniales, pero mujeres y hombres que hacen cosas tan tontas como liarse al ponerse los pantalones, caerse por el suelo y aparecer rodando en calzoncillos en medio de la sala de redacción. Eso por lo que respecta a Will, porque a MacKenzie, el personaje femenino principal, ni siquiera la vemos brillar en su trabajo. Se supone que es una productora de las mejores y que tiene en su currículum hazañas periodísticas en Pakistán, pero en The Newsroom solo la vemos desquiciarse, poner caritas y lucir faldas tubo.

Lo mismo puede decirse del resto de personajes femeninos, que destilan más histeria que profesionalidad, mientras los muchachos muestran los mejor de su olfato y su inteligencia para la noticia.

Todo eso da la impresión de una redacción ensimismada, que mira todo el rato hacia adentro; como si trabajaran en una tele que no viera nadie y eso les permitiera seguir preocupados por sus líos internos.


¿La clave está en las y los guionistas?

Para acabar, un dato podría explicar un poco este desaguisado: The Newsroom contaba solo con diez guionistas, menos que cualquier otra serie de televisión. ¿Quiso hacerlo Sorkin todo solito y le faltó aire fresco? Quizás estas declaraciones suyas nos den una pista:

Creo series para poder escribir en ellas. No me interesa solo producirlas: lo único que quiero hacer es escribir. Soy escritor, alguien que trabaja en solitario, encerrado en una habitación. Escribo sobre cosas de las que no tengo la menor idea y un equipo investiga para mí.

¿Tengo o no tengo razón? Ya me diréis.

Noemí Pastor

Sunset Boulevard

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El fin de semana pasado me sentí NORMAL!
¿Os preguntareis porqué? Os cuento.

Cuando cuatro personas se encuentran y pasan todo un fin de semana hablando de cine, gran parte del tiempo de cine clásico, una se siente NORMAL!
Y eso pocas veces pasa, estareis de acuerdo conmigo!
(antes de empezar, quiero agradecer a esas otras tres personas para darme uno de los fines de semana más mágicos, cinéfilos y mitómanos de mi vida, y no exagero)

Cuando pensaba que esta semana me tocaba escribir a mi , en mi cabeza empezaron a pasar todos los títulos clásicos, la decisión ha sido muy difícil!, quizás no os lo creáis pero así ha sido.

Después de hacer una lista y reducirla a pocos títulos, me he decidido por una de las películas que más me gustan de un clásico como es Billy Wilder: SUNSET BOULEVARD, o como aquí se tradució , El crepúculo de los dioses, por una vez muy de acuerdo con las personas de la época.

Cuando Joe Gillis (gran William Holden), un joven escritor de segunda fila que quiere triunfar como guionista de Hollywood,  llama a la puerta de la mansión de Norma Desmond, una antigua estrella del cine mudo,  nunca podría imaginar que allí encontraría su final.


Partiendo de la idea de que todos o casi todos hemos visto la película, me gustaría comentar puntos de la cinta que me atraen y que sin ser nada original, la hacen una de las película más clásicas y mas geniales de la historia.

Difícil ordenar las ideas en mi cabeza para hablar de esta película.

Un principio y un final: Empezar diciendo que quizás es una película que me impactó cuando era pequeña sobre todo por su inició espectacular y sorprendente, pocas veces antes vista en la pantalla, si no fue la primera vez: el personaje principal explica la historia pero está muerto!
Empezar por el final es una idea genial de Wilder para engancharte desde el minuto cero de la historia hasta el último en que esa bajada de escaleras es la más famosa de la historia del cine! (con permiso de Betty y Joan en ¿Qué fue de Baby Jane? y de Aldara)


Guión perfecto: Nada original tampoco porque Billy Wilder es uno de los guionistas más perfectos del cine. Fue su última colaboración con Charles Brackett y los dos escribieron esa ácida crítica sobre Hollywood  a camino entre la decadencia del cine mudo, que protagonizan Swanson y un Erich Von Stroheim genial representado a Max el criado fiel de la diva y un cine sonoro incipiente en que el guión es una de las partes más importantes para explicar nuevas historias que se llevan a la pantalla , representados por los jóvenes como son William Holden y Nancy Olson .



Viejas glorias: Todavía no acabo de tener claro si Wilder quiso hacer un homenaje al cine mudo o en realidad quería criticar e ironizar a los propios excesos de ese mundo. Ese paso del tiempo, los egos, el querer recuperar ese esplendor perdido, el miedo al fracaso por no saber o no poder conseguir esa transición al cine sonoro.... A los que amamos el cine mudo nos maravilla encontrar a viejas glorias de todo tipo, no solo actores como Cecil B DeMille, el propio Erich Von Stroheim, (que dirigió a la Swanson), Hedda Hopper (una de las cotillas más temidas de la época), H. B. Warner y como olvidar a esa famosa partida de cartas a los que Holden llama "estatuas de cera" : Anna Q. Nilson, Henry Byron y por supuesto Buster Keaton !!! Maravilloso!


Y no salía, pero Swanson hizo una parodia de Charlot, se la devolvió, porqué años antes Chaplin les hizo una prueba y no la aceptó!


Flashback y voz en off: ya hemos hablado de ese famoso flashback  en que William Holden ya está muerto y poco a poco va explicando la historia a través de la voz en off. Normalmente estoy en contra de este estilo, no me gusta pero esta historia no tendría sentido si no estuviera contada como lo está, porque el personaje principal está muerto!

Las frases:
            * Cuando usted quiera  Sr. DeMille,
            * No necesitábamos palabras, teníamos el rostro!
            * Joe: Usted es Norma Desmond, Salía en las películas mudas. Era usted grande.
               Norma: Soy grande, Son las películas las que se han hecho pequeñas!


Brutal!!!!!

Ella: y no por ser la última es la menos importante : la Gran Gloria Swanson, quizás no tan conocida como Greta Garbo, Mae West, Joan Crawford o Marleen Dietrich, antiguas estrellas del cine mudo que también fueron después grandes estrellas del cine sonoro.
Es por eso que tiene mayor relevancia ese papel porque Swanson supo sacar de si misma la grandeza de ese papel en todos los planos, en todas las escenas y sobre todo en ese grandísima y impresionante mirada!

Obra maestra imprescindible!! para recuperar o de visión obligatoria si no se ha visto.

Os voy a contar un secreto, cuando buscaba casa para vivir, nos enamoramos de la nuestra porque la escalera que hay me recordó a esa escalera de El crepúsculo de los dioses!.

Hasta la próxima, Bargalloneta.

El último adiós de Bette Davis

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Este año se cumple el 25 aniversario de la entrega del Premio Donostia a Bette Davis, fallecida días después de recoger el premio en San Sebastián. Por este motivo, y en su recuerdo, se ha hecho el documental al que hoy me refiero.


El último adiós de Bette Davis
Año 2014
Duración 76 minutos
País España
Director Pedro González Bermúdez
Guión Pedro González Bermúdez
Música Guillermo Farré
Fotografía Raúl Cadenas
Productora TCM Original

Sinopsis
Un documental que reconstruye la visita que la legendaria actriz Bette Davis realizó al Festival de San Sebastián, para recibir el Premio Donostia a toda su carrera, en 1989, hace 25 años. Durante seis días en su habitación, planificó con detalle sus apariciones públicas. Pocos días después de lo que fue la última actuación de una de las grandes estrellas del Hollywood clásico, Bette Davis murió en París. Rodeada de momentos inolvidables, la visita no tardó en convertirse en una de las grandes leyendas de la historia del Festival.



Considerada una de las mejores actrices de su generación, Bette Davis llegó a San Sebastián en septiembre de 1989 para recibir el Premio Donostia en el Festival Internacional de Cine de San Sebastián. Se convertía así en la primera mujer que recibía este galardón. La actriz de 81 años, ya muy enferma, no quiso dejar pasar la oportunidad de recibir uno más de los múltiples premios que su extraordinaria carrera le había proporcionado quizás a sabiendas de que sería el último reconocimiento al que podría asistir.  

En este documental dirigido por Pedro González Bermúdez, nos muestran, mediante los testimonios de aquellos que estuvieron con la loba en aquellos pocos días qué hizo la actriz durante su estancia, cómo se comportó con el público y la prensa o cómo se realizaron los preparativos de su visita y estancia en el Festival. 

A pesar de ser incondicional de la Davis, tengo que decir que este documental no es para todo tipo de público sino para los fans de la actriz. Personalmente y con un poco de tristeza, he visto el documental con muchas ganas, sabiendo que me iba a gustar conocer  más sobre Bette, una Bette físicamente apagada pero con la misma fuerza interior que nos conquistó en sus mejores películas.

Queda claro que a pesar de aquel cuerpo menudo, excesivamente delgado, de inestable movimiento y en parte paralizado seguía siendo carácter, temperamento y personalidad y que su genio, su mala leche, su sentido del humor y su sarcasmo seguían intactos. Seguía siendo Bette Davis. Le gustaba el reconocimiento y rodeada del humo de su cigarrillo atravesó medio mundo para recibirlo por última vez sin dejar ver que ya no tenía fuerzas. 

No sólo son testimonios lo que podemos ver y oír sino imágenes de la actriz a su llegada al Hotel María Cristina, parte de la rueda de prensa y de las sesiones fotográficas o el momento en que le entregaron el Premio Donostia en el Teatro Victoria Eugenia. No se trata de una biografía ni de un repaso a su filmografía, pero es imposible que no nos vengan a la mente la Margo Channing de Eva al desnudo (1950), la Julie Marston de Jezabel (1938), la Regina Giddens de La loba (1941) o la Baby Jane Hudson de ¿Qué fue de Baby Jane? (1961).

Al término del Festival, Bette Davis permaneció en el hotel unos días más, pero su estado de salud empeoró y se decidió su traslado inmediato al Hospital Americano de París donde la Gran Dama del Cine, querida, temida y odiada a partes iguales, falleció el 6 de octubre de 1989.


Este es el trailer del documental:


No voy a recomendar ver este documental pero sí que quiero decir que aquellos que desconozcan la carrera de Bette Davis se animen a ver alguna de sus mejores películas y salvando ya el paso del tiempo y de los cambios que ha sufrido el Cine, comprueben por sí mismos la gran actriz que fue. Un rostro que, gracias unos ojos de mirada penetrante y expresiva, era capaz de transmitir y hacer sentir al espectador lo que se propusiera.



El genio alegre, crónica triste

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Rogando a ustedes disculpas por el retraso de la publicación, hoy paso a ofrecerles este humilde post que habla de un accidentado rodaje y de un desgraciado elenco artístico que sufrió penurias, algunas con desgraciado final. Se trata del rodaje, comenzado en julio de 1936 de una comedia costumbrista ambientada en Córdoba rodada por una productora valenciana llamada CIFE S.A., la potente CIFESA de los 40.

Inicio del film....el del 39

Julio de 1936, el elenco artístico y el equipo de filmación de "el genio alegre" parte de una Madrid convulsa por el asesinato del teniente de la guardia de asalto Castillo rumbo a Córdoba para iniciar el rodaje de esta comedia romántica de corte costumbrista que era una obra de teatro escrita por los prolíficos hermanos Álvarez Quintero en los prolegómenos del siglo XX.

El elenco artístico está encabezado por una afamada actriz llamada Rosita Díaz Gimeno, que había viajado con "la otra generación del 27" (Neville, Tono y Jardiel Poncela) a la Hollywood de los años 30 para rodar las versiones en castellano de las pelis yankees. Antes no se solía doblar en estudio y se hacían filmaciones con actores de varios idiomas. También viajaba el galán, Edmundo Barbero, la estrella de la canción española Anita Sevilla, Alberto Romea, Lolita Astolfi,Antonio Vico y Fernando Fernández de Córdoba, que, quizá por tener el apellido del gran capitán, se creía con derecho de comandar cruzadas.

Rosita Díaz Gimeno, la nuera de Negrín

En esto que estalla el afamado 18 de julio y el equipo artístico, perdido en Córdoba, se ve envuelto en la toma de la ciudad por parte de sectores del ejército afines al levantamiento. Edmundo Barbero, que tiempo después escribió una crónica sobre los primeros momentos de la barbarie civil, cuenta como vienen a detener a Rosita Díaz Gimeno, por ser la pareja del hijo de Juan Negrín, un afamado político de izquierda. El ser la nuera del -tiempo después- presidente de la República le crea graves problemas, como el ser detenida y luego canjeada por otros prisioneros del bando enfrentado. A Anita Sevilla, cantante más que actriz, también se la detiene por ser hermana de un banderillero metido a político. Asímismo a Edmundo Barbero y a dos maquilladores y dos operadores de cámara, se los detiene junto al actor y policía Antonio Gil Valero. Este último es fusilado y el operador Jesús Ramentol, muere, fusilado, en el campo de la bota, en noviembre de 1939. El campo de la bota, por cierto, era un campo de concentración, de los cientos que tenía el gobierno franquista, situado en Sant Adrià del Besós (Barcelona).

Edmundo Barbero, salvadoreño de adopción

Por lo visto, el delator de sus compañeros no era otro que Fernando Fernández de Córdoba, falangista antes que compañero de profesión. Delatar y significarse vestidico de azul hizo que fuera él quien radiara con voz pomposa y ceremonial el último parte de guerra de Franco.

El delator de sus compañeros

Después de sufrir en Córdoba detenciones, registros, vigilancia, una epidemia de tifus y varias penurias más, son enviados a Sevilla, y de allá consiguen llegar a Badajoz. Con dificultades se arriesgan a llegar a una Lisboa llena de colaboradores franquistas con la intanción de huir a América. Anita Sevilla, por ejemplo, logra pasar a Portugal vestida de monja y consigue que la contraten para cantar en Argentina.

Anita Sevilla huyó vestida de monja

Barbero logra colarse en la embajada de Chile, donde pasa toda la guerra, hasta poder exiliarse. Vivirá el resto de su vida en El Salvador, donde logra hacerse un gran director de teatro, a la vez que formaba su familia, que también se dedicaba a la profesión. Casi todo el resto de los artistas huidos recaló en México. Así Rosita Díaz Gimeno rodó en 1946 bajo la dirección de "el indio" Fernández Pepita Jiménez, con la hija de Anita Sevilla, huida con su madre. La malograda Anita Sevilla, falleció en Nueva York en 1942. 

El equipo artístico que comenzó a rodar aquél julio de 1936 quedó bien mermado. No obstante, la película terminó estrenándose en 1939 bajo dirección de Fernando Delgado, igual que la primera vez, con otros nombres en su reparto. Curiosamente, suele aparecer el nombre de Rosita Díaz Gimeno en las bases de datos tipo IMdB, aunque su nombre fuera borrado y "olvidado" por la nueva España que empezaba a amanecer con actores delatores como Fernando Fernández de Córdoba.

Al otro lado

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LLega mi turno en Zinéfilas y se me pasa por la cabeza echar la vista atrás,a mi blog anterior,ése que llevaba casi el mismo nombre pero con otro servidor cuyo formato ahora está completamente desfasado.
Sin embargo, allí quedan muchas películas para mí intocables,tal vez por eso decidido rescatar algunos títulos como el que encabeza esta entrada,para desempolvar películas que en su día me apasionaron y aún a día de hoy sentiría el deseo de reseñarlas.







 "Al otro lado " es una coproducción alemano-turca  del 2007 dirigida por Fatih Akin, director también de "Contra la pared",una película que si no habeis visto,también recomiendo desde aquí.



Rodada a caballo entre Alemania y Turquía, "Al otro lado" es una de esas historias de vidas cruzadas que tanto nos enganchan.Seis personajes,seis vidas a veces muy vulnerables,vagan en busca de perdón y reconciliación y ése parece ser su centro de gravedad.

Ahondaré un poco en cada historia,a fin de incentivar un debate con vosotros/as que es realmente lo que me parece más enriquecedor.
Quien no quiera detalles,que me postergue aquí, y retomamos la conversación en otro momento;)
No desvelaré finales en cualquier caso.

Primer triángulo de personajes:



 

Nejat (Baki Davrak) ,un profesor de universidad de Hamburgo de origen turco,no aprueba la relación que su padre Ali Aksu (Tuncel Kurtiz), un pensionista turco afincado también en Alemania, mantiene con la prostituta Yeter (Nursel Köse),también turca.


Ali propone a Yeter que se vaya a vivir con él y Yeter,presionada por unos integristas islámicos turcos para que deje la calle,accede a irse a vivir con Ali.
 Nejat sin embargo empieza a empatizar con Yeter,cuando descubre que envía dinero a su hija(Ayten)a la que lleva mucho tiempo sin ver y que vive en Estambul,a fin de que ésta pueda ir a la universidad.

Yeter muere inesperadamente y esta muerte separa a Nejat de su padre.Sin embargo,Nejat decide buscar a Ayten para ayudarla.....¿la encontrará?


Segundo triángulo ¿equilatero? de personajes:



 Ayten Öztürk( Nurgül Yesilçay) es una activista por los derechos humanos en Estambul.
Perseguida por la policía turca huye hasta Alemania.
Allí,casualmente conocerá a Lotte( Patrycia Ziolkowska), una joven alemana que vive con su madre
Susanne ( Hanna Schygulla).




Lottedecide ayudar a Ayten,la aloja en su casa (ante la mirada distante de su madre) y ambas joves se enamoran apasionadamente.
Ayten pide asilo político en Alemania pero se lo deniegan,pese a que tanto Lotte como Susanne le ayudan al conseguirle abogados.
Ayten regresa forzosamente a Estambul e ingresa en prisión.


Lotte contra todo pronóstico,se traslada a Turquía y hace todo lo posible por ayudarla,incluso cuando su madre,Susanne desiste en su intención de seguir apoyándola.En Estambul,por otro giro del azar, conocerá a Neyat,quien incluso le llegará a alquilar una habitación.


¿conseguirá Lotte sacar de prisión a Ayten?


Rescato un extracto casi intacto de aquella entrada que en 2008  le dediqué a "Al otro lado":


"Lo demás,son giros inesperados del destino, que juega a veces generoso a veces despiadado en este tablero de ajedrez con sus personajes tal cual fueran peones, pero en este largo recorrido donde las ciudades son dos personajes más,vivos y activos,sus emociones son las nuestras y las fronteras se diluyen. Tal cual me ocurrió con la película "Babel" una certeza asoma en este puente entre Oriente y Occidente, y es que la condición humana,su drama,su gozo y su dolor,transcienden nacionalidades y pasaportes y somos diferentes,pero también iguales.
 En este cruce de caminos, y esto es sólo una lectura personal, sólo la compasión y la ternura nos salvan de nuestro odio,nuestro rencor,nuestro miedo y las innumerables  barreras que  nuestra ignorancia y nuestro desconocimiento levantan hacia el otro,extranjero o no,aquí cada personaje arrastra culpa y busca consuelo,anhela una reconciliación consigo mismo y con alguien a quien hirió o por quien se sintió herido, y aún con resistencias y negativas,persigue el perdón.


En medio de esta via crucis personal,irrumpe el amor en todas sus formas,cercano con el desconocid@ (Nejat- Lotte),paterno(Nejat-Ali),materno ( Susanne-Lotte, Yeter-Ayden) o romántico (Ayden-Lotte) y ése,parece ser el aire que cura y rescata de la prisión que cada un@ alberga"


 Maravillosa película que os recomiendo sin ninguna duda,premiada y reconocida en su día,una joya que con motivo de esta entrada,me ha encantado resivar.



Feliz fin de semana,

Troyana


Mogambo

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-¡Eh, Kelly!, ¡apártese del chimpancé!. Y haga el favor de no darle chicle.

"Mogambo" John Ford
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Clark Gable es un veterano cazador que se dedica a organizar safaris y capturar animales cuya plácida existencia se verá alterada con la aparición de Ava Gardner, una alegre e impertinente actriz a la que un amigo ha dado plantón en África. Así, no le quedará más remedio que esperar una semana a que un barco la lleve al aeropuerto más cercano, y si bien la relación no empieza con buen pie el cazador y la corista acabarán teniendo un idilio. Desafortunadamente para Ava, el amigo Clark no ve en ella más que un amor de verano y cuando llega la barca pone fin a su relación. En esa misma barca llega Grace Kelly, la mojigata esposa de un científico inglés a quienes Gable guiará por la selva en busca de gorilas. 

La cosa es que el lema del protagonista debe ser "Si pesa más que un pollo, me la..." y rápidamente inicia otro romance con la rubia, que se verá graciosamente truncado por el regreso de Ava Gardner después de que el famoso barco se averíe. De este modo emprenderán un incómodo viaje todos juntos bajo las constantes pullas e insinuaciones de Ava Gardner, la culpabilidad de Grace Kelly y la feliz ignorancia de su marido, que es el único que no sabe lo que está pasando.

"La reina de África" había sido uno de los mayores éxitos en 1951 de modo que era lógico intentar repetir la misma fórmula y para ello optaron por hacer un remake de "Tierra de pasión" (que también había sido protagonizada por Clark Gable) cambiando Indochina por África. Así, elegidos la historia y el escenario sólo faltaba acertar con el reparto y aquí es donde empieza la verdadera aventura de "Mogambo".

Habían pasado casi 20 años desde "Tierra de pasión" y Clark Gable estaba ya mayor para repetir el papel de galán, tenía 52 años y su aspecto lucía bastante deteriorado por culpa del alcohol. John Ford quería a Stewart Granger, pero los productores le aseguraron que no estaba interesado en separarse de su esposa Jean Simmons para irse a rodar hasta África y Ford tuvo que tragar con Gable. Años después Stewart Granger declaró en sus memorias que él deseaba hacer la peli, tachando de trepa a Clark Gable.

Lo curioso es que a Gable no le interesaba mucho "Mogambo" y aceptó sólo para desquitarse de los últimos fracasos que había protagonizado. De esta forma la relación entre actor y director fue tirante desde antes de empezar la filmación, pero nada comparado con los desencuentros que viviría Ford con Ava Gardner (la mirada que la pareja le dedica al director en esta foto lo dice todo)



Y es que Ford pensaba que Maureen O'Hara era la actriz ideal para interpretar a Eloise Kelly, pero la Metro-Goldwyn-Mayer le impuso a Ava Gardner y el director no dejó de menospreciarla hasta el punto de que Gardner escribió en su biografía que John Ford era uno de los más grandes hijos de puta que pudiera dirigir una película.

Un claro ejemplo de ello ocurrió mientras rodaban la escena en la que un guepardo camina por la tienda de la protagonista. El animal sólo tenía que entrar y salir, pero parecía imposible que lo hiciese como debía y tras mil tomas fallidas decidieron hacer un descanso. Ava Gardner aprovechó para apartar una lámpara que en su opinión molestaba al felino, montando Ford en cólera, gritándole que si sabía tanto de dirección se sentase en su silla, añadiendo que no era más que una actriz piojosa. Ava Gardner abandonó el set desconsolada y cuando volvió la lámpara había desaparecido.

La única que contaba con el beneplácito del director era Grace Kelly, pero su descarado trato de favor hacia ella no afectó a su relación con el resto del reparto. Gardner y Kelly se hicieron grandes amigas e inició un romance real con Clark Gable (lo cual le enemistó aún más con Ford).

Como veis es un filme plagado de anécdotas (Ava Gardner tuvo que abandonar el rodaje para ir a Londres a abortar tras quedar embarazada de Frank Sinatra y famosa es también la medida que tomó la censura española cuando alteraron el doblaje para convertir al matrimonio inglés en dos hermanos, evitando así el adulterio que da sentido a la trama dando pie además a momentos algo incestuosos), pero centrándonos en la peli en sí "Mogambo" es todo un clásico, quizá ya no tanto del cine de aventuras como del cine romántico.

Debemos tener en cuenta que en 1953 no existían los medios de difusión actuales y por ello ver en pantalla grande a un gorila o un elefante en movimiento era un acontecimiento para muchas personas que sólo habían visto semejante fauna dibujada en los libros. Hoy en día se ha perdido ese elemento impactante que tenían entonces las escenas con animales (rodadas por separado y burdamente pegadas al metraje), pero el interés por ese triángulo amoroso sigue intacto, sobre todo gracias a una inmensa Ava Gardner.

Por mucho que le pesase a John Ford todos los protagonistas están perfectos en sus papeles, que por otro lado habían repetido varias veces en otras películas, pero si alguien destaca entre todos es Ava Gardner, cuya carrera alcanzó aquí su cúspide y convierte "Mogambo" en su show particular. No en vano fue nominada al Oscar por primera y última vez, y aunque el premio fue para Audrey Hepburn por "Vacaciones en Roma", Gardner se adueña enteramente de la peli dando una lección de cómo interpretarse a sí misma.

Muestra de ello es esta escena en la que se presenta a Grace Kelly. 



No hace falta saber inglés para apreciar el descaro e insolencia de Gardner, su modo de sentarse, de levantarse, de cogerle un sandwich a una acogotada Grace Kelly que atiende escandalizada ante las vivencias de la actriz, horrorizada por sus modales y las manchas de su ropa.
Es además el enfrentamiento entre la sumisión y fragilidad que se le suponía a la esposa ideal en los 50 contra el desparpajo de las chicas de mala vida (la actividad laboral exacta del personaje de Ava Gardner queda un poco en el aire). Era también la lucha entre la clase alta y la obrera, Nueva York y Londres, rubias y morenas...
Me he extendido ya mucho, de modo que resumiré lo mejor de la peli en cada escena de Ava Gardner, especialmente la primera con Clark Gable y la cena en la cabaña, y como lo peor, quizá, lo precipitado que resultan los romances y ese amor incondicional que siente Gardner hacia el cazador, después del menosprecio que le ha hecho y lo capullo que es en general. Pero en fin, la pasión es lo que tiene.

Así, sin ponerle nota, acabo recomendando "Mogambo" a todos como un clásico sobresaliente y una especie de resumen de la carrera de Ava Gardner condensado en este personaje.

Si hablas de la historia del cine antes o después tienes que nombrar a Ava Gardner y si hablas de Ava Gardner tienes que hablar de "Mogambo".

Doctora

Babel

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Lingua, linguae

Estoy leyendo en estos días una novela negropolicial de Rosa Ribas titulada Don de lenguas. Las protagonistas e investigadoras de un crimen son una periodista y una lingüista; dos señoras, pues, que trabajan con el lenguaje, que manejan bien sus recursos y que se sirven de ese conocimiento en sus pesquisas y averiguaciones.

Don de lenguas me ha hecho acordarme de películas en las que las lenguas, los idiomas, cobran protagonismo y me han venido a la cabeza, entre otras, Lost in translation, Malditos bastardos, Vicky Cristina Barcelona y otra que yo pensaba que tenía que ver con esto, con el batiburrillo que supone la coexistencia de centenares de lenguas en este pequeño planeta, era esta, Babel, pero no era exactamente como yo pensaba.



El título me despistó un poco

Como digo, guiada por el título, recuerdo haberme metido en una sala de cine a ver Babel, pensando que iba a encontrarme con una reflexión sobre la lengua o las lenguas y me topé con un hermoso alegato contra las armas. Un alegato cinematográfico, claro, puro cine; inquientante, nada cómodo de ver, uno de esos relatos que te encogen el estómago porque crees que cuando menos te lo esperes va a suceder algo horrible.

Y sucede, claro. Cuando hay armas por medio, es bastante probable que suceda algo horrible y, de hecho, sucede.


De Tokio a Marruecos

En uno de esos edificios con docenas de pisos, en una vivienda costosísima y elegante, un hombre
guarda al menos dos armas. Una es la que utiliza su esposa para descerrajarse un disparo en la cabeza. La otra es un rifle de caza hipersofisticado y difícil de manejar.

Este señor japonés se lleva su rifle a una cacería en Marruecos y luego se lo regala a un campesino de allí. El campesino lo vende a un pastor y los hijos de este lo usan para matar a los chacales que acaban con sus rebaños. Así, un arma resplandeciente de tecnología punta, un producto de otro mundo, acaba en las torpes manos de un muchacho pobre en los desérticos montes de Marruecos. Como os decía, la tragedia se adivina a la vuelta de la calle, en la siguiente curva de la carretera.


Y de ahí a México y a California

Bueno, para ser fieles al recorrido narrativo, habría que decir que de Marruecos saltamos a los Estados Unidos y luego a México, pues en todos esos lugares están presentes las armas en lo bueno y en lo malo, en la salud y en la enfermedad, en la alegría y en las penas; quiero decir, por supuesto, que en México, en una boda, Gael García Bernal dispara varios tiros al aire en señal de júbilo.

Así, de la misma manera que viajamos de país en país, transitamos también de lengua en lengua, sin salir de este planeta, sin salir de Babel. Tanto en México como en el sur de California tenemos el placer de oír su español delicioso, todo música, para desesperación del personal traductor, que tiene que decidir, con gran dolor, supongo, cuándo aferrarse a la versión original, cuándo doblar, cuándo recurrir al subtítulo...


Vaya una cosa por otra

Pensando que vería un film sobre la incomunicación, disfruté (y mucho) de otro film, que no estaba en mi cabeza, contra las armas y por la paz. Ahora me pregunto si, a fin de cuentas, no será todo lo mismo.

Sea como sea, he aquí mi humilde aportación a la causa: https://www.es.amnesty.org/temas/armas/tratado-internacional-sobre-el-comercio-de-armas/



Ficha técnica (www.labutaca.net):

Dirección: Alejandro González Iñárritu.
País:
USA.
Año: 2006.
Duración: 143 min.
Género: Drama.
Interpretación: Brad Pitt (Richard), Cate Blanchett (Susan), Gael García Bernal (Santiago), Elle Fanning (Debbie), Kôji Yakusho (Yasujiro), Rinko Kikuchi (Chieko), Adriana Barraza (Amelia), Nathan Gamble (Mike), Mohamed Akhzam (Anwar), Peter Wight (Tom), Harriet Walter (Lilly), Trevor Martin (Douglas), Mónica del Carmen (Lucía).
Guión: Guillermo Arriaga; basado en un argumento de Guillermo Arriaga y Alejandro González Iñárritu.
Producción: Alejandro González Iñárritu, Jon Kilik y Steve Golin.
Música: Gustavo Santaolalla.
Fotografía:
Rodrigo Prieto.
Montaje: Stephen Mirrione y Douglas Crise.
Diseño de producción: Brigitte Broch.
Vestuario: Michael Wilkinson.
Estreno en USA: 27 Octubre 2006.
Estreno en España: 29 Diciembre 2006.


Nueva generación de series. Nashville versus Glee

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Cuando he de escoger entre dos películas es evidente que siempre lo tengo claro y mis preferencias van dirigidas al cine clásico. No veo mucho la televisión y si  lo hago es para ver alguna película o últimamente me adentro más en el mundo de las series.

La series, y sobre todo las americanas han cambiado mucho en estas dos últimas décadas. El filón que proporciona el hecho de introducir a un actor o actriz conocido en el mundo cinematográfico en la pequeña pantalla da mucho dinero. Pero además también hay que decir que los guiones, la técnica, todo en general,  es mucho  más cinematográfico.

Las productoras televisivas han apostado por las series de gran calidad y en muchos de los casos han acertado, series como Breaking Bad,

 Los Soprano (que yo diría que fue una de las primeras series con este nuevo formato), 
Friends,
 Juego de tronos, 
Lost,
 Walking Dead(para mi Troyana favorita)....
 y tantas otras han dado calidad a un género que hasta hace veinte años se conocía como menor.
Otros países también han comprobado este nuevo filón en la pequeña pantalla y se han apuntado al carro.

Pero aquí está la espada de doble filo, se hacen tantas series, que en muchos casos se acierta y en otros no, a veces piensas que tienes un buen producto, una buena historia y unos buenos interpretes pero no sabes porqué la cosa no funciona.... es el caso de esa serie de caballos (que ahora ni recuerdo) con el gran Dustin Hoffman y que fue un fracaso.

Y luego están aquellas series que son flojas , que van aguantando , dos, tres o hasta cinco temporadas, por el simple hecho de que tienen sus fans y que hay algo en ellas que engancha, sea sus actores, sea su historia o sea el género. En este caso , el género y más concretamente el musical es el que me engancha a mi y por eso intento ir siguiendo algunas de ellas, aunque reconozco que su calidad no sea del todo la deseada...

Es el caso por ejemplo de Glee (la versión moderna de Fama),

 serie para adolescentes, con un grupo de estudiantes de instituto , freakies en su mayoría, desahuciados o marginados por su entorno que encuentran en el club Glee, un grupo de cantantes con un profesor también marginado, la vía de escape para todos sus males. La gran virtud de esta serie, para mi, son básicamente dos, la primera es el trato que se tiene a ese grupo de chicos y chicas marginados y la solidaridad que hay entre ellos, quizás mal trabajado en la serie pero el valor de la amistad o la importancia de ayudarse entre ellos es un valor que lo encuentro interesante y segundo y más importante es ese conjunto de números musicales de todo tipo que engancha en cada uno de los episodios, memorables los especiales que les dedicaron a West Side Story, a Grease o a The Rocky Horror Picture Show o a Madonnay Britney Spears.... y a tantos otros, asi como participaciones especiales como Carol Burnett, Whoppi Goldberg, Gwyneth Paltrow, Kate Hudson, Sarah Jessica Parker, Gloria Stefan, Olivia Newton John, o la mismísima Shirley MacLaine,

Y luego hay otra serie bastante floja para mi gusto, muy sencilla en su forma y su contenido pero que me atrapa en cada episodio por su música, la música country, me refiero a Nashville.


El guión, muy tópico, Ryana James  estrella de country desde hace dos décadas ahora un poco en declive debe lidiar con la nueva estrella de los adolescentes Juliette Barnes. Son dos estilos muy diferentes pero en el fondo con muchas cosas en común, sobretodo el amor a la música country.
Ya digo que es floja pero reconozco que sin saber nada de este tipo de música, mi debilidad por ella es grande. Los temas que aparecen en cada episodio seguramente reconocidos por los amantes de esta música son para mi un autentico placer para mi oído.


No digo que la sigáis porque ya he dicho de buen principio que no son de gran calidad pero si os gusta la música, la buena música estas dos series son dos claros ejemplos para escucharla.


Hasta la próxima!

Bargalloneta

Boyhood (Momentos de una vida)

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La vida está hecha de diferentes momentos. Momentos que recordamos, que olvidamos, que nos marcan... pero son momentos de nuestra vida.


Título en castellano Boyhood (Momentos de una vida)
Título original Boyhood
Año 2014
Duración 165 minutos
País Estados Unidos
Director Richard Linklater
Guión Richard Linklater
Música Varios
Fotografía Lee Daniel, Shane Kelly
Productora IFC

Reparto
Ellar Coltrane, Patricia Arquette, Ethan Hawke, Lorelei Linklater, Jordan Howard, Tamara Jolaine, Zoe Graham, Tyler Strother...


Sinopsis
Es la historia de Mason desde los seis años y durante una década poblada de cambios: mudanzas y controversias, relaciones que se tambalean, bodas, diferentes colegios, primeros amores, también desilusiones, momentos maravillosos, de miedo y de una constante mezcla de desgarro y sorpresa. Un viaje íntimo y épico por la euforia de la niñez, los sísmicos cambios de una familia moderna y el paso del tiempo.



Sabemos que en España las traducciones de los títulos de las películas a veces no tienen relación con el título en original. En el caso deBoyhood se ha optado por no traducirla (niñez, infancia) y añadirle un subtítulo: Momentos de una vida. Y creo que es muy acertado.

Boyhood. (Momentos de una vida) nos cuenta la vida de una familia a los largo de varios años. Hasta aquí nada excepcional, sin embargo, el director y guionista Richard Linklater (Antes de amanecer, 1995; Antes del atardecer, 2004; Antes de anochecer, 2013) decidió rodar la película a lo largo de 12 años utilizando siempre a los mismos actores. Es así cómo vemos la evolución real de los personajes, tanto a nivel emocional como a nivel físico sin que sea necesario la utilización de maquillajes especiales que los envejezcan.


La película se realizó a los largo de 12 años….
... pero sólo durante 39 días de rodaje.



Una curiosidad es que no se trata de una película continua en el tiempo, sino a saltos. Nos muestran diferentes momentos en la vida de sus protagonistas, unos días concretos o unos meses para luego saltar hacia delante en el tiempo y mostrarnos otros momentos meses o años después. No sé si yo lo he explicado bien, pero en la película todo tiene sentido y se entiende la historia perfectamente.

Todo gira en torno a Mason (Ellar Coltrane), un niño de seis años que vive con su hermana Samantha (Lorelei Linklater) y su madre Olivia(Patricia Arquette). Su padre, Mason (Ethan Hawke) ausente hasta estos momentos reaparece en sus vidas.


Somos testigos de todos los cambios de esta familia –que son muchos-, de mudanzas, relaciones amorosas, relaciones familiares, amistades, estudios, trabajos, problemas, desilusiones, alegrías…

Me ha gustado especialmente la relación padre e hijo. Un padre que aunque no está en cada minuto tampoco está ausente y llega a tener una complicidad increíble con su hijo a pesar de todo lo que va ocurriendo a su alrededor.


Se trata de un largometraje largo, de 2 horas y 45 minutos que a mi me ha enganchado. La banda sonora (con canciones de Arcade Fire, The Black Keys, Teweedy...) también me ha gustado y todos los actores están muy bien.


Tanto la película como su director y actores están recibiendo buenas críticas y múltiples premios. Boyhood está considerada una de las mejores 10 películas del año según el American Film Institute (AFI). En los próximos Globos de Oro ha logrado 5 nominaciones (película dramática, director, guión, actor y actriz de reparto (Arquette y Hawke).

Este es el trailer:


Boyhood (Momentos de una vida), una película que ha parecido muy interesante y que por eso os recomiendo. Espero que os guste.



El orgullo de los yanquis (1942)

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Ahora que nos van a meter en las pantallas de cine la historia de Stephen Hawking, un genio de la astrofísica que sufre la devastadora afección de ELA (Esclerosis Lateral Amiotrófica), nos la quieren vender como la primera película que habla de este mal degenerativo. Eso es porque no se acuerdan de una peli clásica del año 1942 titulada el orgullo de los yanquis.

El cartel anunciante

La peli, rodada en plena segunda guerra mundial,  narra la historia,  a la manera “ensalzahéroes” del Hollywood clásico, de Lou Gehrig, un bateador del equipo de béisbol de los yankees de Nueva York, de ahí el título. El verdadero Lou Gehrig, un atleta zurdo contemporáneo y compañero de equipo de otros ilustres del bate como Babe Ruth, que sale en la peli, o Joe Di Maggio, esposo ocasional de Marilyn Monroe.

Gary Cooper con Babe Ruth, leyenda del béisbol, en el rodaje.

Gehrig, hijo de emigrantes alemanes, lo cual se hace notar en los acentos paternos de la versión original, nació y se crió en Nueva York a principios del siglo XX. Sus padres, perseguidores del sueño americano, se esforzaron por dar una buena educación a su hijo, que, destacando en los deportes, acabó haciéndose un indiscutible del, entonces, popularísimo béisbol, siendo miembro del dream team de los yankees de Nueva York durante catorce años, entre 1924 y 1938, que fue cuando abandonó este deporte aquejado de una enfermedad que le impedía mover los músculos. Por cierto, al ELA, en los EEUU le siguen llamando “la enfermedad de Lou Gehrig”, a pesar de Stephen Hawking.

Sinopsis “espoileada” como la de Titánic:

Dirigida por Sam Wood, el patriótico director tan afín a las ideas maccarthyanas de echar a todos los rojos de la industria fílmica, y protagonizada por Gary Cooper haciendo de joven estudiante a la edad de 41 años, lo cual no encaja demasiado bien, pero bueno, es que es Gary Cooper y lo dejamos estar, narra con plantilla “ensalzahéroe”, la historia de este hijo de emigrantes alemanes que alcanza el sueño americano, que se va al cuerno por culpa de una enfermedad degenerativa.

El pequeño Louie probando fortuna con la zurda.

Se ve a Lou de niño, volviendo de la escuela, que juega al béisbol con los chavales del barrio, y del batazo, rompe el cristal de un comercio. La madre, que en casa es la alemana que corta el bacalao, ya que el padre está sometido a lo que diga su férrea señora, riñe a Lou porque debe centrarse en los estudios. La madre, cocinera en la universidad de Columbia, consigue que él estudie allí.
A pesar de “la vida mejor” en el país de los sueños, los padres, cocinera y portero, no han conseguido nada mejor. La madre, aquejada de una enfermedad, va derecha al hospital para pobres, pero Lou firma con los yankees, en contra de la voluntad de su madre, que nada sabe de esto, para poder pagarle una clínica de las caras.

Mamá Gehrig es mucha mamá.

Y Lou Gehring  comienza a jugar con los Yankees de Nueva York, primero chupando banquillo, cuando en Chicago, contra los White sox, sale a la jugar por primera vez, una espectadora, papel interpretado por Teresa Wright, lo pone nervioso. Lo que son las cosas, vuelven a coincidir en la cena, y allí comienza el noviazgo a distancia. La niña, por cierto, es la hija de un magnate de las salchichas.

El orgullo de los yankees y señora

Son años de vino y rosas. Todo es genial. Él se hace un jugador indiscutible, un americano impecable, guapo, fuerte, trabajador, honesto y buen esposo. Un retrato propagandístico de primera, publicitado, sobre todo, por ese papel que interpreta Walter Brennan, que es una mezcla de periodista deportivo, mánager y amigo de la familia. El único punto conflictivo lo pone mamá Gehrig, en el papel de suegra dominante, que acaba suavizándose.

Los Gehrig en el campo, para ver jugar al nene.

La última media hora conduce al problema médico de Lou. Un mal día empieza a sentir sus músculos agarrotados. Ya no rinde tanto en el campo de juego. El médico le da malas noticias. Lleva con entereza su dolencia y dice adiós en el estadio de los Yankees ante su afición, abrazándose a compañeros, como Babe Ruth, que sale en la peli interpretándose a sí mismo. Y Lou cabizbajo entra a los vestuarios mientras se oye “play ball!” (¡Juego!).

Contexto histórico del rodaje:

Lou Gehrig, jugador en la época de la crisis del 29, donde todo el mundo necesitaba un desahogo, era, como todo el que llevaba felicidad de la simple a los seguidores del béisbol, un querido ídolo de la sociedad americana. La película, filmada en 1942, recién entrado EEUU en la segunda guerra mundial (El ataque japonés a Pearl Harbor fue el 7 de diciembre del 41) desea ensalzar los valores patrios de una juventud a la que quieren enredar en el ideal de fuerza y voluntad y morir joven por la patria, cosas que se leen en el prólogo escrito de esta peli.

Gary Cooper probando el bate

Gehrig, retirado en 1938, muere en 1941. La película está, por lo tanto, rodada un año después del fallecimiento, a los 38 años, del jugador de béisbol. Nunca antes se había hecho una despedida tan clamorosa a un jugador de béisbol como la que se le hizo a Gehrig en 1939 en el estadio de los Yankees de Nueva York, con el aforo completo, abrazándose a Babe Ruth, con el que había habido roces y malentendidos años atrás.

Walter Brennan haciendo del amigo protector lleno de fe

Es una peli sobria, confeccionada con la hechura americana del ensalzamiento sin oscuridades del protagonista para narrar una historia simple, aunque a veces difumine la verdad. Gary Cooper interpreta al atleta, algo simple, buen hijo, buen marido, intachable, americano ejemplar, fuerte y formal (lo de feo para John Wayne). Canta un poco que  Gary Cooper  sea un estudiante veinteañero a los cuarenta, pero bueno.
Teresa Wrihgt  interpreta a la buena esposa, siempre alegre, guapa y elegante como buena americana y Walter Brennan al periodista y mánager que tiene una fe ciega en él, que se convierte en su consejero, amigo, dama de compañía y segundo padre. Cabe destacar que en esta cinta hay un par de jugadores de béisbol que se interpretan a sí mismos, destacando Babe Ruth, el sultán del bate, uno de los jugadores más famosos de todos los tiempos. Tiene pinta de orangután tragaldabas y fashionvictim. Los rifirafes con Gehrig quedan apenas insinuados por actores de reparto.  Curioso es que nadie haya hecho una peli sobre Babe Ruth con la de historias y leyendas que sobre él se cuentan.

Placa conmemorativa a un ser querido

La enfermedad de Lou Gehrig ocupa los últimos treinta minutos de esta cinta de  dos horas. Con todo el pudor a las cosas desagradables de la vida, apenas queda retratado en unos pocos gestos y una visita al médico donde lo único que queda claro es que le queda poco de vida. En aquella época aún no se rodaban cosas que fueran demasiado fuertes para el público, sin embargo, no se puede decir que la inminente historia de Stephen Hawking sea la primera en tratar el mal llamado ELA, que en EEUU es más conocida por “la enfermedad de Lou Gehrig”.

Ficha técnica:

Título: The Pride of the Yankees  (El orgullo de los Yankees) 1942
Duración: 128 min.
País: Estados Unidos
Director: Sam Wood
Guión: Jo Swerling, Herman J. Mankiewicz (Historia: Paul Gallico)
Música: Leigh Harline.
Productor: Samuel Goldwyn (RKO Pictures)

Género: Drama.

Juli Gan

Siete novias para siete hermanos

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-Portaos como caballeros y hablar con finura. Demostrad que tenéis educación.
-¿Edu... qué?.

"Siete novias para siete hermanos" Stanley Donen
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Un rudo pero cantarín leñador que vive en las montañas baja al pueblo más cercano para encontrar una joven trabajadora y casarse con ella, como el que necesita un alargador y baja al todo a 100 a comprar uno. La cuestión es que no tarda en seducir a una de las aldeanas, que, prendada por el atractivo varonil del leñador, accede a casarse con él imaginando una idílica vida en pareja allá en las montañas. No obstante sus fantasías se verán truncadas cuando descubre que su marido vive con sus seis hermanos, que resultan ser un atajo de antihigiénicos salvajes.

La convivencia será difícil al principio, pero gracias a los consejos de su cuñada, los seis hermanos se convierten en personas civilizadas (a la vez que en grandes bailarines y acróbatas). O eso creía ella, pues con el fin de conquistar a las seis muchachas que han conocido en el pueblo no se les ocurrirá otra cosa que secuestrarlas, lo cual dará pie a múltiples conflictos y canciones varias.


"Siete novias para siete hermanos" es una de mis favoritas de siempre, y eso que no me gustan los musicales, pero la de hoy es una de esas películas redondas que tanto escasean en el cine actual. 

Conseguir que simpatices con un canalla como el protagonista, que te creas a esa panda de gañanes bailando, que comprendas los repentinos e inexplicables romances de la peli y que no te sobre ni una sola canción es algo difícil con sólo leer el argumento, pero todo ello ocurre y es complicado explicar por qué.

Podemos elogiar la gran labor del guionista, el director, los actores, el coreógrafo o el compositor, quienes lograron contar una historia de forma entretenida, graciosa y adorable intercalando unas magníficas canciones, fundamentales además en el desarrollo de la trama, con unos bailes espectaculares (el del pueblo es uno de los mejores números musicales que se han rodado jamás), pero hay algo más, algo que no se pudo ensayar ni escribir. Transmitir esa alegría, esa felicidad, esa energía positiva es algo que no se puede programar, fluye sin más.



Las películas son como las personas, tenemos pelis de todo tipo, hay pelis
divertidas, pelis tristes, pelis aburridas, pelis pesadas... si "Siete novias para siete hermanos" fuese una persona sería de esa gente optimista y encantadora que tiene siempre una sonrisa en la cara y con quien todo el mundo quiere estar.
Y eso que en su día la Metro Goldwyn Mayer la consideró un producto de serie b, recortando su presupuesto en favor de "Brigadoon", por lo que "Siete novias para siete hermanos" tuvo que rodarse con un sin fin de estrecheces que les obligó a grabar en pobres decorados o confeccionar el vestuario de las chicas con ropa donada por el Ejército de Salvación.

Como no podía ser de otra forma la peli tuvo una gran acogida, batió record de permanencia en pantalla, fue candidata a mejor película (perdió ante "La ley del silencio") y hasta el mismo Presidente Eisenhower recomendó a los ciudadanos que la viesen.

Hoy en día se hacen cientos de películas con un presupuesto infinitamente mayor, tramas más elaboradas y mejores efectos, sin embargo, cuando escucho eso de "la magia del cine" es Jane Powell cantando con esas montañas dibujadas de fondo quien me viene a la cabeza.

Así, empezamos el año con buen pie (aunque con cierto retraso por mi parte, mil perdones).

Feliz 2015

Doctora

Beyond Christmas (1940)

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Ahora que estamos en plena resaca postnavideña ¿qué puede haber más adecuado que hablar de una película llamada "Beyond Christmas"?

Reconozco que hecho un poco de trampa, ya que solo se trata del título de una edición en DVD y su título original es "Beyond Tomorrow".

Lo que ignoro es el motivo que impulsó al distribuidor español para traducirla como "Dulce Evocación" excepto que estuviera en plena promoción de un lote de melodramas de Libertad Lamarque, digo yo.

Al margen del creativo retitulado castellano, por una vez el título de la edición de DVD, además de venirme al pelo para publicar hoy una entrada es - por una vez-, más adecuado que el original, ya que Beyond Tomorrow es una película navideña en toda regla, en la línea de Qué bello es vivir y De ilusión también se vive.

Sin embargo, no es un clásico como aquellas y nunca, o casi nunca, se ha programado en televisión, que yo sepa. Por lo menos en nuestro país, donde es prácticamente desconocida. ¿Por qué?

Se me ocurren varios motivos, además de porque se les olvidó incluir el verbo vivir en el título, claro.

El más obvio es que su director no es Frank Capra sino un tal A. Edward Sutherland, que al parecer dirigió infinidad de películas de "El gordo y el flaco" y que por si fuera poco, también dirigió alguna de Abbot y Costello.

El segundo es que, aunque Beyond Tomorrow está fechada tan solo seis años antes que Qué bello es vivir, es obvio que el tiempo las ha tratado de forma muy diferente.

Por otra parte, ignoro si es un defecto únicamente de la copia en DVD que tengo yo, pero es obvio que necesita una restauración.

En definitiva, su visionado hoy en día resulta un auténtico viaje en el tiempo a un tipo de cine inocente que ya no existe, una rareza en la que parte de sus defectos se convierten en virtudes, y sobre todo una de las películas más naif que he visto en mi vida.

Y es que advierto que en Beyond Tomorrow se alcanzan unas cotas de inocencia, buenas intenciones, amabilidad y confianza en la bondad del ser humano que hace que el resto de las películas navideñeas parezcan dirigidas por el Grinch.

Viéndola puedes empacharte, emocionarte, sorprenderte o fascinarte con tal cúmulo de buenos sentimientos. Incluso, como es mi caso, todo a la vez: en todo caso, es una experiencia, os lo aseguro.
El cartel también incluye spoilers.

A continuación voy a contar gran parte del argumento, porque considero que es bastante improbable que casi nadie se lance a verla y además porque su interés para el buscador de rarezas va más allá de las (supuestas) sorpresas de guión, bastante previsibles vistas hoy en día.

La acción comienza en Manhattan, en plena Nochebuena, cuando Melton, Chadwick y O'Brien, tres caballeros maduros, dueños de una exitosa empresa, reciben una llamada que les informa de que sus invitados para la cena no van a asistir.

Al darse cuenta de lo poco que lamentan la ausencia de sus invitados en una noche tan especial, descubren que no tienen un solo amigo verdadero y se plantean solucionarlo esa misma noche, invitando a compartir con ellos su lujosa cena a los primeros desconocidos bondadosos que aparezcan en su puerta.

Para encontrar a esas personas se les ocurre dejar, tres carteras frente a su casa, con un billete dentro y una tarjeta de visita que permita localizar su dueño fácilmente.

La primera cartera es encontrada por una mujer vestida lujosamente, que se dirige a una cena junto a un hombre de etiqueta, y que le regala el dinero a su chófer.

"Qué generosa eres con el dinero de los demás" le dice su acompañante, frase que por sí sola haría que mereciera la pena haber descubierto esta película.

La siguiente la encuentra un inocentón vaquero aspirante a cantante (¿?) que intenta triunfar en la gran ciudad, hasta ahora con tan poco éxito que debe afrontar el duro invierno neoyorquino sin ni siquiera un abrigo. La última la devuelve una joven enfermera tan honesta y bondadosa como el muchacho.

Esos dos personajes son llamados, poco sutilmente, James y Jean.

Como ambos están lejos de sus familias acceden a cenar con los caballeros y juntos pasan una noche "deliciosa" (igualmente podría haber dicho "encantadora") a la que se unen el ama de llaves y el resto del servicio, que resultan ser nada más y nada menos, que una condesa que huyó de Rusia su natal por la Revolución de Octubre, y sus antiguos criados, que decidieron acompañarla en su exilio, como señal de su fidelidad.

¿De verdad no tenéis curiosidad por una película en la que aparecen una condesa rusa, sus criados, un cowboy cantante y tres amables ancianitos?

Después de una noche tan perfecta, deciden continuar con la amistad y durante unas semanas pasan todos juntos muchos más días "encantadores". Tiempo en el que se fragua el previsible romance entre los dos jóvenes, para alegría de los tres socios.

Sin embargo los tres caballeros realizan un viaje de trabajo en una frágil avioneta, precisamente en un día de nieve que acabará como ya os imagináis.

Pero lo que quizá no sabéis todavía, es que los socios permanecen todavía un tiempo en pantalla convertidos en ... fantasmas que no quieren abandonar este mundo nuestro, sin haber dejado apañada a la parejita.

En serio: condesa rusa, vaquero cantante, espectros románticos... ¿conocéis otra película igual?

El mayor problema de Beyond Tomorrow es que a partir de entonces, la película tiene una caída de tono realmente lamentable.

Si la Nochebuena y momentos posteriores que pasan los protagonistas juntos son puro sentimentalismo, la película a partir de entonces, peca de precipitada y,  lo que es peor, rutinaria.

Parece comprensible que las cuitas que les ocurrirán a los dos enamorados se quieran contar de otra manera, como una vuelta a la realidad después del mágico oasis de amistad y buenas intenciones de las navidades (de ahí que diga que el título Beyond Chirstmas me parece sumamente adecuado) pero es que hay momento en que parece que se está viendo una película distinta, infinitamente peor contada.

Lo peor, sin embargo, llega con la escena del tiroteo (¿no os había dicho ya que también hay un tiroteo? Pues lo hay) horriblemente rodada y/o montada.

Aún así merece la pena no abandonar su visionado para contemplar algún momento aislado de buen cine - los telegramas acumulados por Jean - y sobre todo la visión más camp jamás contemplada sobre el más allá, al que terminan por acceder los tres amigos, dejando a sus jóvenes protegidos solos y evidentemente bien encarrilados en la vida.

Pensadlo bien: un vaquero cantante, una ex-condesa rusa, un tiroteo, la Nochebuena y el cielo al que van los millonarios buenos... ¿Quién da más?


Loque



Musarañas

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Impresionada he salido del cine de ver "Musarañas".
Dirigida por  los noveles Juanfer Andrés y Esteban Roel está magníficamente interpretada entre otros por Macarena Gómez, Nadia de Santiago, Hugo Silva y Luis Tosar.






Digo "magníficamente interpretada" y sé que en el fondo me estoy refiriendo a la que sin duda es el sostén principal de la película y es esa ENORME Macarena Gómez,que desde aquí vaticino que se va a llevar el goya a la mejor interpretación femenina ( si no se lo arrebata la creciente María León en "Marsella"),veremos qué pasa el 7 de Febrero en la Ceremonia de los Premios Goya.

En la producción de "Musarañas" por otro lado,está Alex de la Iglesia,que avala un proyecto que sin duda es coherente con su iconografía,su trayectoria y su sello personal.

Musarañas,como sabeis se estrenó en el Festival internacional de cine fantástico y de terror de Sitges(que es donde tendría que haberla visto yo...jeje) y desde entonces ha tenido un reconocimiento tanto por parte de público como de crítica.

Entro en materia,las lectoras/es que no gusten de anticipos (no desvelaré las claves más importantes ni el extraordinario desenlace)abstenganse de seguir leyendo aquí.


Ambientada en el Madrid de los años 50,nos introduce de lleno en  la historia de una familia ,formada ahora por dos hermanas: Montse (Macarena Gómez)y su hermana pequeña(Nadia de Santiago),de la cual,misteriosamente,no sabemos su nombre en la película,pero que recien cumplió 18 años.


La madre de ambas al parecer murió al nacer la pequeña de las hermanas y el padre (Luis Tosar) huyó en la guerra abandonándolas a su suerte.


Montse padece agorofobia y lleva años sin salir de ese piso,traumatizada por la muerte de la madre y la tiránica presencia de su padre hasta que éste las bandona,se fué desequilibrando a marchas agigantadas y en la actualidad el único hilo que la mantiene en contacto con la vida exterior es su hermana pequeña y los encargos que realiza puntualmente como costurera.


La monotonía y la vida gris y claustofóbica de Montse da un giro inesperado cuando un vecino : Carlos (Hugo Silva) se cae en la escalera y pide ayuda llamando a su puerta.

A partir de ahí,Montse intentará ayudar y proteger a Carlos,cuidando de él en su casa,pero lo que comienza siendo un acto aparentemente solidario termina sacando a la luz la desquiciada y perturbada naturaleza de Montse.




Diré que ha habido momentos en los que me he acordado de otras películas,no sé si son guiños o casualidades,pero para mí, ha sido inevitable a raíz de ciertas escenas acordarme de "Misery" clavada a fuego en nuestra memoria gracias a la inconmensurable y versatil Katy Bates, y ya en otro registro, en pleno delirio y despliegue sangriento de Montse,me ha venido a la mente alguna escena de "El silencio de los corderos" ,con ese casual paralelismo en las habilidades que como modista y sastre tenían tanto Montse como el psicópata-objetivo de captura de la teniente Clarice.

L@s amantes del cine clásico,es posible encuentren alguna reminiscencia de algunas películas como "¿Qué fué de Baby Jane?",salvando lógicamente todas las distancias.

Se entienda bien cuando digo que "Musarañas" es un trhiller español con muchos y oscuros tintes psicológicos(algunos la han definido como lorquiano) y algún toque gore,pero además,es una película divertida,que consigue que el espectad@r entre la trama desde el principio y disfrute de este histriónico y exagerado descenso a los infiernos de Macarena Gómez.Es un festival de excesos,al más puro estilo de Alex de la Iglesia,y partiendo de ahí,un entretenimiento puro y duro capaz de disfrutarse de principio a fin.


Y sí, subrayo a Macarena Gómez porque  éste sin duda es el gran salto de una actriz que ya había trabajado bajo la batuta de Jaume Balagueró en la inquietante "Para entrar a vivir" ,de Paco Plaza en "Romasanta.la caza de la bestia" y de Alex de la Iglesia en Las brujas de Zugarramurdipero
aquí en "Musarañas" es donde se marca un antes y un después en su recorrido y nos deja una interpretación imborrable de un personaje insano,que sufre y causa dolor sin medida,todo desproporcionado,todo desquiciado,con ese punto de ternura enferma con la que casi empatizamos a pesar del terror que siembra su locura.

Al final y al principio,todo dolor (eso lo saben bien los psicoanalístas)tiene su por qué y casi todos los males tienen el mismo origen en el tonco familiar, pero todo eso lo va descubriendo a cada paso el espectad@r, como si de un puzzle se tratara.


Esta pequeña y fágil actriz,hasta ahora bastante secundaria en el cine español,aquí crece y se hace por momentos INMENSA gracias al personaje de Montse que ni ella ni nosotr@s podremos olvidar ya,porque hay personajes que se comen por entero a las películas y terminan siendo el epicentro de todo lo que bulle en la trama. Pasó también con el personaje de César,el portero psicópata en "Mientras duermes" de Jaume Balagueró,esa película para much@s es Luis Tosar,y no podría ser ya ningún otro en modo alguno.


Aquí tenemos una tragedia como se ha dicho lorquiana donde las mujeres son una vez más las protagonistas,donde la tragedia y la comedia se rozan en algún momento en medio del paroxismo y donde se hace a mi modo de ver,una buena administración de la acción,los giros,los desenlaces y los puntos oscuros donde llegado el momento. se va arrojando la luz.



Al parecer la mano invisible de Alex de la Iglesia va más allá de la mera financiaciación,ya vemos en el reparto a su actriz fetiche Carolina Bang que  es también productora,pero además está el humor negro y como no,los toques macabros,la iconografía religiosa y el festival sangriento que se marca Macarena Gómez en la trama final.
Todo apto para estomagos sensibles,que nadie se asuste,se nota maestría y cierta armonía dentro de lo grotesco de la exageración.


Cierro esta reseña afirmando lo que parece ya un hecho,y es que el que el principal mérito de esta cinta entretenida y divertida como pocas en el género, es esa soberbia Macarena Gómez,que por fin como he leído y me parece muy acertado, da un golpe sobre la mesa para hacerse notar entre las grandes, y vaya si lo consigue...


Féliz fin de semana zinéfil@s,espero que en vuestra escalera no os topeis nunca con ninguna Montse;)

Troyana


La flor de mi secreto

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¿Por qué esta peli y no otra? 

Es curioso. A mí siempre me ha gustado mucho Almodóvar, pero creo que nunca había hablado de nunguna peli suya aquí y, puesta a elegir, he elegido La flor de mi secreto. Os preguntaréis por qué esta peli y no otra, ya que La flor de mi secreto tiene lo mismo de otras pelis de Almodóvar. Tiene escenarios coloridos, melodrama, boleros desgarrados, diálogos impagables, sarcasmo, alfo de esperpento, actrices excelsas, entraña femenina, madres e hijas, cine clásico americano, La Mancha, la familia, recuerdos de la infancia, tragedia y comedia entreveradas...

Pues es que La flor, además de todo eso, tiene literatura. Y a la literatura ya no me puedo resistir.


La primera Leo, enamorada

Vivía en esa lujosa mazmorra de los escritores obligados a producir cierto número de obras al año, pero, mientras estuvo enamorada, a Leo no le costaba escribir novelas rosas. O, mejor dicho, mientras alguien la amó, mientras alguien la acompañó en la escenificación de ese amor ideal que recreaba en las novelas, vivir y escribir eran un poco lo mismo: en sus propias palabras, ni dolor ni desgarro, “solo rutina, complacencia y sensiblería”.

Puede que su marido fuera un tipo sin entraña y vulgar. No importa; ella lo convertía en Pepe el Romano: solo está unos minutos en pantalla, pero lo invade todo. Puede que su mejor amiga fuera mentirosa y engreída. No importa; Leo hacía de ella una Teresa de Calcuta.


La segunda Leo, desmoronada


 “¿Existe alguna posibilidad, por pequeña que sea, de salvar lo nuestro?” 

Cuando aquello se quebró, cuando lo que sucedía en su casa ya no podía aparecer en ningún capítulo, a Leo las letras no le salían rosas, sino negras. No la consolaba el mal de muchos. El sufrimiento de otros no le servía de nada. Solo como materia literaria. Y su sufrimiento tampoco interesaba a nadie, porque nadie quiere a los desdichados; nadie soporta la verdad.

“Realidad, realidad. ¿Quién quiere realidad? La realidad debería estar prohibida.”

Llega un momento en que el dolor no le permite hacer nada; ni escribir ni leer. Y está a punto de echar a perder todo. Pero alguien viene al rescate; y no es ningún héroe de guerra.
 

"Tan joven y ya estás como vaca sin cencerro: perdida, sin rumbo, sin orientación."


La tercera Leo, restaurada

Ahora Leo sabe que el amor era más que aquello, que está más en todas partes, en todas las gentes y, sobre todo, en tu sitio. No en “su” sitio, sino en “tu” sitio, en ese rinconcito en el que estás bien, en el que te refugias a tomar aire, a avituallarte.

Cuando salgas de ahí, Leo, verás que sigues siendo una estrella literaria, que siguen existiendo el cine y las novelas, que hay gente que cambiaría sin duda su vida por la tuya.


"¡Ahí los tiene, los pimientos, en el rincón, que la van a morder!"

Además, Leo, tienes un amigo simpático, culto y generoso. ¿Qué más puedes pedir?

Ficha técnica (cine.estamosrodando.com) La flor de mi secreto 
Dirección: Pedro Almodóvar País: Francia, España Año: 1995 Duración: 103 min. Reparto: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carme Elias, Rossy de Palma, Chus Lampreave, Kiti Manver, Joaquín Cortés, Manuela Vargas, Imanol Arias, Gloria Muñoz, Juan José Otegui, Nancho Novo, Jordi Mollà, Alicia Agut, Marisol Muriel, Teresa Ibáñez, José Palau, Abraham García Distribuidora: Warner Bros. Productora: CiBy 2000, El Deseo S.A. Dirección artística: Miguel López Pelegrín, Wolfgang Burmann Diseño de producción: Esther García Efectos especiales: Juan Ramón Molina Efectos visuales: Jorge Calvo, Pablo Núñez Fotografía: Affonso Beato Guión: Pedro Almodóvar Maquillaje: Antonio Panizza, Jorge Hernández, Jorge Hernández Lobo, Juan Pedro Hernández Montaje: José Salcedo Música: Alberto Iglesias Producción: Esther García Producción ejecutiva: Agustín Almodóvar Sonido: Aitor Berenguer, Anthony Cleal, Antonio Illán, Bernardo Menz, Carlos Garrido, Fran Villarrubia, Graham V. Hartstone, José Antonio Bermúdez, Luis Castro, Michael A. Carter Vestuario: Ana Morales, Hugo Mezcua, Isabel Berz, Peris, Rosa Paradela

La isla mínima

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Hablemos de una de las películas del año. Puede que no sea la mejor, pero es una de las mejores películas del cine español dentro del género negro.


Título: La isla mínima
Año: 2014
Duración: 105 minutos
País: España
Director: Alberto Rodríguez
Guión: Alberto Rodríguez, Rafael Cobos
Música: Julio de la Rosa
Fotografía: Alex Catalán 

Reparto:
Raúl Arévalo, Javier Gutiérrez, Nerea Barros, Antonio de la Torre, Jesús Castro, Mercedes León, Manolo Solo, Jesús Carroza, Cecilia Villanueva, Salvador Reina, Juan Carlos Villanueva

Sinopsis
España, a comienzos de los años 80. Dos policías, ideológicamente opuestos, son enviados desde Madrid a un remoto pueblo del sur, situado en las marismas del Guadalquivir, para investigar la desaparición de dos chicas adolescentes. En una comunidad anclada en el pasado, tendrán que enfrentarse a un feroz asesino.


El director Alberto Rodríguez vuelve a su tierra, Sevilla, con La isla mínima algo que también hiciera en 2012 con la policíaca Grupo 7 y también vuelve al pasado: de los años 90 de Grupo 7 a los 80 de La isla mínima.

Impresionantes y bellos paisajes aéreos que disfrutamos durante los títulos iniciales mostrándonos primero la belleza de las marismas sevillanas para luego entrar de lleno en el horror de dos asesinatos que los protagonistas, dos policías, deben investigar.


Una pareja de policías de personalidades completamente diferentes a los que realmente no acabamos de conocer del todo. A pesar de esto logran llevar a cabo una buena investigación conjunta. Están interpretados porJavier Gutiérrez (Águila roja, 2010; Un franco, 14 pesetas; 2006) y Raúl Arévalo (Los amamantes pasajeros 2013; La vida inesperada, 2014). Ambos están magníficos. Ninguna de las dos interpretaciones cae en los estereotipos típicos de policías sino que están contenidos y en parte, atormentados.

Entre los secundarios, tres personajes destacables. Los padres de las niñas asesinadas, un hombre extraño y reticente de mal carácter (Antonio de la Torre) y una madre temerosa y rota por el dolor (Nerea Barros). Y por último el chico guapo del pueblo que enamora a todas las jovencitas al que interpreta Jesús Castro (El niño, 2014).


Estupendas ambientación y fotografía y una buena banda sonora complementan la trama que nos va envolviendo poco a poco entre los diferentes personajes que viven en un lugar que parece aislado del mundo real pero en el que suceden las mismas miserias que en cualquier otro lugar.

La isla mínima obtuvo los premios a la mejor interpretación masculina (Javier Gutierrez) y a la mejor fotografía en El Festival de Cine de San Sebastián 2014. Es la película más nominada para los próximos Premios Goyacon 17 nominaciones: Mejor película, director (Alberto Rodríguez), actor principal (Javier Gutiérrez), actor principal (Raúl Arévalo), actor de reparto (Antonio De la Torre), actriz de reparto (Mercedes León), actriz revelación (Nerea Barros), guión original, música original, fotografía, dirección de producción, dirección artística, diseño de vestuario, maquillaje y peluquería, montaje, sonido y efectos especiales.


Al margen de premios, La isla mínima es una película que merece la pena, especialmente para aquellas personas a las que les gusten las investigaciones policíacas con una buena traba y unas secuencias que sorprenden. El cine español cada vez es mejor y hay que disfrutarlo.


Picaresca religiosa celtibérica. (Manuel y clemente, 1986)

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Hoy en Zinéfilas una película de tema religioso. No, no estoy programando las pelis de 13Tv, de esas que van de “Marcelino pan y vino”, pasando por “Hermano sol, hermana luna” de Zeffirelli, para acabar echando el último bodrio de ese iluminado integrista de culo regio que es Mel Gibson. No, esta peli es “religiosa” y eminentemente española, porque no hay nada más español que la picaresca, ya sea en forma de novela del XVII, de sobres b del partido del gobierno, de recalificación urbanística o de apariciones marianas. Y de eso va, de apariciones marianas. Nada que ver con el presidente del gobierno sino con la madre de Dios, al menos, eso dicen sus videntes. 


¡Aleluya, herman@s!

Decía que la picaresca es algo típico del carácter celtibérico, y esta peli así lo refleja. Una sátira mordaz de la que dice que es "la historia verdadera de la creación de la iglesia palmariana". Hasta la música incide en la mordacidad, porque no deja de ser un "chundachún" festivo de esos que suenan -aún- en las plazas de los pueblos los días de fiesta. La España de la pandereta, de los pícaros y de las beatonas que dando limosna creen que van a llegar al cielo antes, porque los videntes que dicen ver a la virgen, por si acaso, deben ser pagados, no sea que encima sus "visiones" sean verdad. Así, de este vidente Clemente,  nació la iglesia palmariana. Esta iglesia tan increíble que -dicen- te convierte en obispo por practirar una buena felación y que no duda en hacer santos a Franco o a Hitler. A Franco, y esto es rigurosamente cierto, no sale en la peli, lo tienen colocado en modo estátua delante de una suntuosa cúpula vaticanoide.

El que avisa no es traidor


Pero vayamos a la historia chusca que cuenta esta película, quizá poco conocida, pero muy satírtica. La historia de la iglesia del Palmar de Troya, que es un pueblo de Sevilla. La peli comienza explicando que, el mismo día que Massiel ganara eurovisión, una niñas de aquél pueblo, para que no las regañaran en casa por hacer novillos, dijeron haber visto a la virgen en un árbol. Tiene gracia que la historia comience el mismo día que la serie “Cuéntame”de TVE . 

Videntes-hienas luchando por su sitio


Manuel y Clemente son algo más que amigos y compañeros de trabajo. Son pareja sentimental, vaya. Manuel es un hombre emprendedor y Clemente es un hombre elemental, por no decir simplón. Buscan dar la campanada de sus vidas, pero la cosa, en el tardofranquismo, está muy difícil, hasta que un día de concentración mariana van al descampado del Palmar de Troya donde dicen que la virgen se aparece a unas cuantas videntes que con sus espectáculos se ganan un estipendio. Manolo convence poco a poco a Clemente de que él también haga teatro. Al mismo tiempo, por allí aciertan a pasar algunos guiris atraídos por el revuelo y algún otro emigrado que vuelve a su tierra natal de vacaciones. Todos ven un buen negocio y se asocian cada uno con sus intereses. 

Clemente, el simple, empieza a tener visiones


Al cabo de un tiempo, y gracias a las donaciones de beaturros fáciles de convencer por puro fariseísmo, reúnen pasta como para poder crear su propia congregación. Atraen a un obispo vietnamita para que los haga sacerdotes, a ellos, a sus colegas y a todos los hombres bellos que encuentren por los alrededores. Así, de un videntillo de la virgen nace toda una santa madre iglesia palmariana 

Estrategias para vivir como curas

Perseguidos por el gobierno consiguen convertirse en obispos. Y, a la muerte de Pablo VI la virgen le dice a Clemente que él ha de ser el próximo Santo Padre. 

Habemus Papam palmarianum!


La peli acaba aquí, aunque los chascarrillos que se cuentan del papa Clemente no acabaron ni después de muerto.  La película es poco conocida, pero tiene una dosis de mala leche maravillosa y el dúo protagonista, Juan Jesús Valverde (Manuel) y Ángel de Andrés López (Clemente) está muy correcto. Por cierto, que si queréis ver esta película  -os la recomiendo, porque lo cojonudo es que casi todo es increíblemente cierto- que sepáis que la Iglesia del Palmar de Troya os excomulgará. 

Ficha Técnica: 

Manuel y Clemente (1986) 

Duración: 89 min. 

Dirección: Javier Palmero 
Guión: Javier Palmero. 
Reparto:  
Juan Jesús Valverde……………Manuel 
Ángel de Andrés López………..Clemente 
Luis Olmos………………….….Newman 
Héctor Alterio………………….Serafín 
Concha Gregori………………..Ramonina 
Lu Chien Lo……………….......Obispo vietnamita 


Luis Escobar…………………...Arzobispo de Sevilla 


Descalzos por el parque

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-En este mundo hay los que miran y los que actúan, y los que miran se sientan a mirar lo que hacen los activos. Esta noche tú has mirado y yo he actuado.
-Y fue más penoso mirar lo que tú hacías que para ti hacer lo que yo miraba.

"Descalzos por el parque" Gene Saks
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Hoy os traigo una comedia romántica muy oportuna, no sólo porque mañana sea San Valentín, si no porque además la acción transcurre durante el mes de febrero.

Jane Fonda es una joven divertida y algo inmadura que se acaba de casar con Robert Redford, un abogado serio e irónico. Su matrimonio empieza estupendamente con una luna de miel en un lujoso hotel de Nueva York, sin embargo las cosas se torcerán cuando llegan a su nidito de amor, que resulta ser un pisucho minúsculo repleto de averías situado en un quinto sin ascensor (en el doblaje francés lo cambiaron por un noveno ya que en esa época los quintos sin ascensor eran muy comunes en Francia y no les hubiera hecho gracia el suplicio que le suponía a los personajes subir las escaleras). 

A todo esto hay que añadir la aparición de su vecino de arriba, un dandy sesentón que les enseñará exóticas comidas y peculiares antros donde la pareja descubrirá que no tienen nada en común. Así, el matrimonio caerá en una crisis avocada al divorcio, sin embargo la cosa acabará bien, porque es una película (y digo esto porque el filme está basado en el primer matrimonio de Neil Simon, el escritor de la obra, que sí acabó realmente en divorcio).


Tras cosechar un tremendo éxito en Broadway, "Descalzos por el parque" fue llevada a la gran pantalla manteniendo a Robert Redford (cuya carrera cinematográfica estaba por despegar) y a Mildred Natwick (que fue nominada al Oscar como la madre de Jane Fonda), quienes ya habían trabajado en la obra teatral. Por desgracia para Elizabeth Ashley (pareja de Redford en Broadway) Paramount quería a una actriz famosa para protagonizar la película e inmediatamente pensaron en Natalie Wood. Y seguro que también hubiese bordado el papel, pero Wood estaba de año sabático, así que, tras pensar en Sandra Dee, Geraldine Chaplin o Nancy Sinatra, el papel fue para Jane Fonda, que ya era bien conocida para el público (aunque aún faltaban dos años para que la conocieran cachito a cachito en "Barbarella").

Cuando me puse por primera vez "Descalzos por el parque" no sabía si me iba a convencer. La premisa era muy interesante y los actores me gustan bastante, pero ya me había llevado algún chasco con otras comedias de la época tan aclamadas como "Desayuno con diamantes" o "El apartamento" (sí, no me mola "El apartamento", prefiero mil veces "Irma la dulce"). No obstante, a poco que escuché a la pareja interactuando me di cuenta de que iba a gustarme.

Al contrario de lo que sucede con "Desayuno con diamantes" las situaciones, personajes y diálogos de "Descalzos por el parque" son completamente actuales pese a estar en los años sesenta de tal manera que la obra podría ambientarse en nuestros días cambiando tan solo el paisaje, el vestuario y el peinado de las mujeres.

Y es que hoy en día seguimos viviendo las mismas calamidades que los protas de la peli, o sea, pisos sin ascensor, habitaciones minúsculas, vecinos extraños, madres cotillas... y también podemos toparnos con tipos estirados y mujeres espontaneas que pese a su evidente incompatibilidad se casan, discuten, se reproducen y mueren.

En este apartado hay que decir que los dos protagonistas están soberbios, ambos jóvenes y esplendorosos (soy mujer y heterosexual, pero aún así debo decir que el culo de Jane Fonda, cuya blusa está calculadamente metida por dentro, resulta hipnótico), y además los secundarios, Charles Boyer (también estupendo, así como la habilidad de sacarle de escena justo antes de que resulte cansino) y Mildred Natwick son los complementos perfectos para la pareja.

Así, recomiendo "Descalzos por el parque" como una comedia romántica ágil, ingeniosa y divertida (os vais a reír de verdad) con el encanto de los sesenta y de Nueva York por la que no han pasado sus casi 50 años.


Doctora
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