Zinéfilaz

La entrada de sobre El Orgullo de los Yankees, comentaba Juli Gan lo extraño que le resultaba ver a un Gary Cooper ya en los cuarenta, haciendo de estudiante, y eso me ha dado pie para esta entrada, así que gracias por la idea.

No descubro nada si digo que muchos actores, especialmente grandes estrellas, han interpretado papeles cuya edad superaban de largo. De hecho ya se ha convertido en un cliché que en las películas o series que transcurren en un instituto, los alumnos son actores que pasan de los veinte, a veces sobradamente.

Creo que podemos afirmar que es ya un chiste recurrente recordar los treinta años que tenía Olivia Newton-John cuando encarnó a una inocente estudiante en Grease, aunque eran pocos si se tiene en cuenta los treinta y cuatro (sí, 34) de Stockard Channing en aquella época, sin que a nadie le chocara demasiado su famosa Rizzo.

Aunque francamente creo que si algo se puede decir de Grease es que es una película que no se toma muy en serio a sí misma, algo que me parece que la beneficia en mucho, y que poco o nada pretendía resultar verosímil.

Como nota curiosa, el tema de estudiantes interpretados por actores que ya no pasan ni por repetidores, no es nuevo ni mucho menos, y un caso que recuerdo con especial cariño es el drama médico de los cincuenta "No serás un extraño", además de por ser una película de lo más curiosa, porque aparecen como estudiantes de medicina Robert Mitchum, más cerca de cumplir los cuarenta que los treinta y Frank Sinatra que tenía dos años más.

Vamos, que cumplió los cuarenta acabando Medicina. Y es que ya se sabe que Medicina es una carrera difícil. Sobre todo si eres Frank Sinatra.

Lo bueno es que la época en la que se rodó nos ahorra la penosa imagen de ambos vestidos de jovencitos ya que al parecer en aquella década aún era normal que los estudiantes llevaran traje y corbata, con lo cual aún parecen menos estudiantes, aunque por lo menos conservan la dignidad. Algo por otra parte fácil, si eres Robert Mitchum.

Aquí les tenemos junto a nada menos que ¡Lee Marvin! preocupados por quién les va a pasar los apuntes, foto cortesía de este interesante blog, cuya entrada al respecto os recomiendo.

Pero no me voy a fijar en esos casos tan numerosos en que la edad del actor resulta un problema, sino en los que curiosamente pasa desapercibida dicha diferencia.

Primer y llamativo ejemplo, El hombre que mató a Liberty Balance, James Stewart tenía la friolera de 54 años cuando interpretó al recién licenciado que llega al Oeste. Claro que es fácil olvidarse de la edad de nadie, cuando estás viendo una obra maestra interpretada por tan gran actor ¿Verdad?

Lo curioso es que es casi imposible olvidarse de la horrible caracterización de "anciano" del mismo personaje al principio de la película. Y eso que su edad se acercaba más a la del maduro senador que a la del joven idealista del flashback. Como se puede ver en esta fotografía.

La relación de la edad entre dos actores también puede ser un problema, o no serlo en absoluto, a pesar de lo inadecuada. A mí por lo menos jamás me han llamado la atención Cary Grant y Jessie Royce Landis cuando interpretaron a un hijo y su madre en "Con la muerte en los talones", siendo ella tan solo ocho años mayor que su hijo de la ficción.

Que ella tuviera sesenta y tres años no sorprende mucho, pero es que Grant, que andaba por los cincuenta y cinco podía pasar por alguien de "cuarenta y pocos" sin ningún problema.

Pero es que Cary Grant... era mucho Cary Grant.

Esos mismos ocho años son la misma diferencia de edad que tenían Marisol y su primera (y casi única) madre de ficción María Mahor.

Pepa Flores tenía doce años aunque aparentaba bastantes menos y la pobre María Mahor era una jovencita de apenas veinte años (demasiado joven para el reparto de Grease), pero peinada y vestida con ese look de pelo abultado (o moño bajo) y falda de mezclilla con la que se castigaba a las pobres españolas de finales de los cincuenta, podía aparentar unos cuántos más.

Para rizar el rizo, la segunda (y penúltima) madre cinematográfica de Marisol fue la inefable Isabel Garcés en "Rumbo a Río", que algo difícilmente hubiera podido ser madre a los cuarenta y seis años de la estrella infantil, aunque no tanto de María Mahor, a la que sacaba treinta y ocho años.

Y es que Marisol no tenía suerte con sus padres de ficción, nunca le vivieron los dos, o bien era huérfana absoluta, o había perdido a su padre o madre. En todo caso, a los dos no se los dejaron vivos ni en un solo título de su época infantil, que yo recuerde, y que recuerden en esta web, de donde por cierto he sacado la foto de la primera película de la malagueña.

Claro que menos suerte tuvieron ambas "madres", ya que la Mahor tuvo que soport... digo colaboró con Joselito ese mismo año 1960 (no empezó bien la década) y la pobre Isabel Garcés sufrió en sus carnes los gorgoritos de casi todos los niños cantores de este país: además de coincidir con Marisol varias veces, también tuvo la fortuna de compartir plató con Pili y Mili y de paso, con la más crecidita Rocío Durcal.

Aunque es posible que ningún niño cantor pudiera asustarla después de ver el increíble logro de cantar (o así) sin mover ni un solo músculo de la cara de Sara Montiel en "Mi último tango", no confundir con "El último tango en París", aunque sí se puede confundir con "El último cuplé", porque básicamente era una copia descarada únicamente pensada para explotar el sorprendente éxito de la Montiel intentando pasar por cantante, algo infinitamente más increíble que una niña de ocho años pueda tener un hijo.

Pero así es la magia del cine.

Nota: He calculado las edades atendiendo a los datos de IMDB
Nota 2: Me ha gustado el tema, volveré a atacar!

Tras recibir numerosos reconocimientos por parte de la crítica,coronados por ese oscar como mejor película,no me quedaba más opción que darle una oportunidad,dada mi naturaleza curiosa.

Mi sensación tras ver esta supuesta "obra maestra" sin embargo,es mucho más tibia y moderada que cualquier crítica extraida de "filmaffinity",así que viva la diversidad,muchach@s;)

"Birdman" es la historia de un actor en decadencia,un Michael Keaton (que eso sí,hace en mi opinión el papel de su carrera) en la piel de Riggan Thomson,que se hizo célebre por interpretar en la gran pantalla a un superheroe, pero que ahora se encuentra en sus horas bajas,y se propone lograr el reconocimiento perdido a través de una obra de teatro en Broadway. Se da la circunstancia de que el propio Michael keaton interpretó a Batman,y han sido much@s los que han visto aquí un toque autobiográfico,que el propio actor ha desmentido.

A Alejandro González Iñárritu, el director de "Birdman", ya le conocíamos por películas como Babel, 21 gramos, o "Amores perros",todas me gustaron,especialmente la primera,en todas encontré dramatismo y un análisis de la condición humana profunda,multicultural,global y a la vez localista,donde el todo era siempre más que la suma de las partes.

Ahora con "Birdman" se centra en un universo muy concreto,en el epicentro de la cultura nortearemicana,y de forma más específica,en el submundo del cine y el teatro,universos que vive e imagino,del conoce bien sus hieles y sus mieles.
Qué curioso que sin dejar títere cabeza,tod@s hayan caído rendidos a los encantos de "Birdman",él que deja a los críticos por los suelos y en general a los hilos que mueven una industria capaz de llevarte del cielo al olvido,apenas sin pestañear.

En ese olimpo de los dioses aquí caídos,Riggan Thomson,se enfrenta a sus demonios y sostiene una lucha encarecida con su ego (la voz grave,el personaje del superheroe que lo catapultó al éxito) y este duelo en mi opinión,es uno de los aspectos más interesantes de "Birdman".Riggan Thomson frente al espejo,escuchando la voz de su propia vanagloria caída,se deja llevar por los fantasmas de la arrogancia frustrada y nos deja a mi modo de ver un ramillete de secuencias únicas,no exentas de toques surrealistas,que vienen a enriquecer esa recreación del delirio de un gigante vencido.

Por ahí,en esa mezcla de la fantasía y la realidad,me recordó a "Cisne negro" y en ese mirarse al espejo y sostener un diálogo consigo mismo también me vino a la mente " Taxi Driver" con aquel "Are you talking to me?"....

Como ya hizo anteriormente, González Iñárritu despliega un reparto de actrices y actores que están tod@s impecables,aunque he de decir,que me hubiera gustado ver mayor calado en los personajes femeninos.

Así, vemos a un Edward Norton en un personaje tal vez a su medida,dando vida a un actor narcisista y con un gran tirón mediático que sólo es capaz de vivir plena y auténticamente cuando se sube a un escenario.Provocador,rebelde,excéntrico y brillante a la par que egoísta y ególatra, su personaje refleja a la perfección todo ese cúmulo de debilidades-clichés atribuidas a los actores y actrices de ahora y puede que de siempre.

Las únicas actrices que destacan por detras de Keaton y Norton,son Naomi Watts ( que ya había trabajado anteriormente con Iñarritu) y una sorprendente Emma Stone( Magia a la luz de la luna

A través de Emma Stone (cada vez más brillante) pienso que González Iñárritu hace su crítica más demoledora hacia una sociedad absolutamente dependiente de las redes sociales a la hora de medir el valor de las personas o las cosas con el ridículo barómetro de la efímera popularidad.

Y ése es otro punto fuerte de la película la crítica feroz a un mundo superficial ,mediatizado,obsesionado por la celebridad o salir del anonimato, más el mundo del espectáculo expuesto a la crítica y la aprobación,tan voluble y caprichoso,tan absurdo y aleatorio,tan cambiante y olvidadizo.

Toda esta parafernalia de Hollywood y los Oscars,por ejemplo, capaz de ensalzar y ningunear,capaz de lanzar al estrellato o ignorar (intencionadamente a veces) tantas y tantas películas dignas de público y merecido reconocimiento, y lo mismo con las actrices y los actores.Hay en estas galas tantos olvidos que desde mi humilde criterio no perdono ( también en la de los Goya como no),que a veces pienso que mi única "venganza" es reseñarlas a través de los blogs....

És esa crítica y la lucha del hombre con su ego,lo que más me gusta de "Birdman",así que no voy a entrar a valorar los falsos planos secuencias,ni aspectos técnicos que no domino porque para eso están las personas que han estudiado Dirección de Cine,a las que cuanto más conozco,más respeto.

En mi opinión, a "Birdman" le sobra ese constante fondo de batería en el deambular por los pasillos del teatro (muy de acuerdo con Atikus ) y para mí,le falta emoción,mayor calado en los personajes femeninos, también muy de acuerdo con el análisis de jordicine ,a la hora de valorar un exceso de "dejarse ir" en un desenlace abierto,dejado totalmente a la imaginación del espectad@r.

No es mi película favorita de Alejandro González Iñárritu, me parece que a día de hoy me quedo con Babel,por mucho que algunos la tildaran de presuntuosa,pero "Birdman" sin duda,hay que verla aunque solo sea para disfrutar de su atmósfera,su ambientación,las brillantes interpretaciones, y sobre todo,ese análisis feroz contra el mundo del espectáculo y por extensión,contra una sociedad hueca,que sopesa y valora según la repercusión mediática y se olvida de vivir lo real, con toda la significancia que tiene una vida anónima,más allá de las redes sociales o la hoja de doble filo de la celebridad.

Feliz fin de semana,zinéfil@s

Troyana

Donald Spoto:
High Society. The Life of Grace Kelly, 2009
Grace Kelly, 2011 (Traducción de Fernando Garí Puig)

Buen rollito

Si buscáis morbo y mala leche, coged otro libro, porque desde la introducción estamos avisadas: Grace Kelly, biografiada, y Donald Spoto, biógrafo, eran amigos, se llevaron bien durante décadas y Kelly ayudó a Spoto a publicar su primer libro, de manera que este no tiene para la actriz-princesa nada más que infinito agradecimiento y buenas palabras.

Ahora bien, Spoto quiere que leamos el libro y sabe cómo hacerlo, así que, consciente de que este propósito de ser benévolo con Kelly puede que no atraiga demasiado al público lector que quiera devorar carnaza, añade también que pactó con ella escribir su biografía y desvelar ciertos secretos, una vez transcurridos veinticinco años tras su muerte; y así lo hace.

Con todo, el retrato general que recibimos de Kelly es bastante angelical: era inteligente, divertida, cariñosa, disciplinada, trabajadora y muy exigente consigo misma y su trabajo. Su fama de fría solo se debe a que no hacía concesiones a la prensa y no le gustaba hablar de sus asuntos privados; así, mientras a Monroe no le importó hacer público que su pijama estaba fabricado de Chanel no 5, Kelly a la misma pregunta repuso que su ropa de cama no era incumbencia de nadie.

Un rasgo de su personalidad que me dice algo muy bueno de Kelly es que siempre fue amiga de sus amigas. Conservó para siempre las de la infancia y las que conoció mientras vivía sola en Nueva York. También mantuvo siempre el contacto con Ava Gardner, tras trabajar juntas en Mogambo; a pesar de ser tan diferentes, se apreciaron mutuamente.

<<Conozco el ruido de las pistolas. Tiene que haber una forma mejor de vivir.>>
Grace Kelly con Katy Jurado en Solo ante el peligro
(forums.thefashionspot.com)

Cine, cine y cine

Ya que se trata de una biografía, Spoto nos habla, cómo no, de la infancia de Kelly, de su familia (con varios ejemplares, sobre todo masculinos, chuscos y otros reseñables, como su tío George Kelly, actor y dramaturgo), de sus comienzos como modelo, luego en el teatro y en la televisión, en adaptaciones dramáticas de piezas literarias varias (al estilo de antiguas emisiones como “Estudio 1”, de Televisión Española) y, hacia el final, muy brevemente, de sus andanzas en las monarquías europeas.

Pero, para nuestra felicidad, a Spoto se le nota mucho que a él lo que le gusta, lo que le interesa de verdad, es la etapa intermedia, la que Kelly dedicó al cine; y, de toda su filmografía, las pelis que de verdad lo entusiasman son las que rodó con Alfred Hitchcock.

Así, la parte más extensa del libro se centra, uno a uno, en los filmes, empezando por su brevísimo papel en Fourteen Hours y saltando después al protagonismo, cada vez mayor, nada más y nada menos que con Zinnemann, Ford y Hitchcock, que fueron sus tres primeros directores.

Como digo, donde más se detiene Spoto es en las películas que Kelly hizo con Hitchcok e incluso en las que estuvo a punto de, pero no rodó con él: Marnie la ladrona y Los pájaros. También en la peculiar y estrecha relación que mantuvieron durante años, mezcla de complicidad y admiración.

Ser actriz en Hollywood: sola ante el peligro

En los comienzos de la industria del cine, los actores y las actrices eran, como decía el mismo Hitch, poco más que ganado. Durante casi veinte años ni siquiera se los citaba en el celuloide. El primer nombre que apareció en unos títulos de crédito fue el de la actriz Florence Lawrence (1886-1938).

En la década de 1950 las cosas habían cambiado notablemente. Así y todo, los omnipotentes estudios todavía escogían a las jóvenes promesas y los departamentos de publicidad les creaban una nueva imagen, nombre e identidad, les dirigían la vida y el amor.

Kelly fue especial también en esto: plantó cara a los poderosísimos estudios (por ejemplo, mantuvo sus verdaderos nombre y apellido, cosa infrecuente en la época) y negociaba personalmente sus contratos; con buen tino, además, con el olfato para los negocios que heredó de su padre.

¿De dónde le venía a Kelly esa firmeza de carácter y esa pizca de desprecio por Hollywood? Pues probablemente del hecho de que su meta nunca fue el cine; a Kelly lo que de verdad le interesaba era el teatro; su sueño fue siempre vivir en Nueva York y triunfar en Broadway. Siempre pensó que su etapa en California sería transitoria. Igual que siempre pensó que alguna vez regresaría desde Mónaco a la interpretación.

Con todo, Kelly no se libró por completo de la tiranía de los estudios ni del sutil maltrato al que sometían especialmente a las actrices, que raras veces tenían un largo recorrido. A diferencia de los actores, que, como, por ejemplo, Cary Grant (1), conseguían trabajar durante treinta y cinco años, las actrices maduras acababan dándose por vencidas y se retiraban.

Curiosidades varias

Este libro tiene muchos cosas buenas; entre otras, que es un completo repaso de su tiempo e incluye curiosidades varias sobre el cine, la farándula y la sociedad en general que yo, al menos, desconocía. Vamos con algunas de ellas. .

En 1951 todavía había hoteles segregados para negros y para blancos y a Josephine Baker le negaban el acceso a algunos clubes de Manhattan. Baker y Kelly fueron amigas y colaboradoras.

En 1952 Kelly encarnó a Dulcinea del Toboso en una adaptación del Quijote para televisión protagonizada por Boris Karloff. Mi reino por un visionado.

Los premios Tony de teatro deben su nombre a la actriz Antoniette Perry.

En 1953 había ya veinticinco millones de televisores en Estados Unidos. Para arrancar a la gente del sillón de su casa, Hollywood tuvo que inventar toda suerte de atractivos. Tras la crisis de la tele, vino la del vídeo y ahora estamos en la de Internet. Está claro que, si sobrevive a esta, el cine no será como hasta ahora lo hemos conocido, sino … ¿Qué pensáis?

Noemí Pastor

(1) Los tiempos no han cambiado tanto en este aspecto. Kelly siempre tuvo parejas cinematográficas mucho mayores que ella. En Solo ante el peligro trabajó con Gary Cooper, 28 años mayor que Kelly. En Mogambo con Clark Gable, 28 años mayor. En Crimen perfecto, con Ray Milland, 22 años mayor. En La ventana indiscreta, con James Stewart, 21 años mayor. En La angustia de vivir, con Bing Crosby y William Holden, 26 y 12 años mayores. En Atrapa un ladrón, con Cary Grant, 26 años mayor. Curiosamente, Rainiero de Mónaco solo era 6 años mayor que Kelly.

Relatos salvajes

Año 2014

Duración 119 min.

País Argentina

Director Damián Szifrón

Guión Damián Szifrón

Música Gustavo Santaolalla

Fotografía Javier Juliá

Productora Coproducción Argentina-España; Corner Producciones / Kramer & Sigman Films / El Deseo / Telefé / ICAA / Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales (INCAA)

Reparto

Ricardo Darín, Darío Grandinetti, Leonardo Sbaraglia, Érica Rivas, Oscar Martínez, Julieta Zylberberg, Rita Cortese, María Onetto, Osmar Núñez, Nancy Dupláa, María Marull, Germán de Silva, Marcelo Pozzi, Diego Gentile, Alan Daicz, Liliana Weimer, Claudio Delan, Lucila Mangone, Federico Liss, Walter Donado, Diego Velázquez, Margarita Molfino, César Bordón, Mónica Villa, Juan Santiago Linari

Sinopsis

La película consta de seis episodios que alternan la intriga, la comedia y la violencia. Sus personajes se verán empujados hacia el abismo y hacia el innegable placer de perder el control, cruzando la delgada línea que separa la civilización de la barbarie.

Una de las mejores películas del año, eso sin duda. Pero no es una película en sí sino un conjunto de seis historias cortas que pueden gustar más o menos pero que desde luego no dejan indiferente a nadie.

Personalmente no me gustan mucho las historias cortas, ni en cine ni en literatura, pero de vez en cuando te encuentras con alguna excepción que merece la pena destacar, como es Relatos Salvajes.

El director y guionista Damián Szifrón cuenta con caras muy conocidas y respetadas dentro del cine latinoamericano, contando también con el reconocido compositor Gustavo Santaolalla (Brokeback Mountain, 2005) para la banda sonora y una estupenda fotografía.

Los relatos son independientes protagonizados por diferentes actores, sin título y con un sencillo final en negro hasta que comience el siguiente relato salvaje.

No puedo comentar nada más sobre los diferentes argumentos salvo que todas ellas están llenas de intriga, drama, comedia y sobre todo una clase de violencia especial… e impredecible porque todo el mundo puede llegar a perder el control.

Relatos salvajes ha obtenido múltiples premios internacionales durante 2014 (Premio del Público en el Festival de San Sebastián y en el Festival de Cine de Sarajevo, Premio Goya a la mejor película hispanoamericana) y varias nominaciones (Mejor Película de Habla no Inglesa en los Premios Oscar y en los Critics Choice Awards).

¿La has visto? ¿Cuál es tu relato salvaje favorito?

A mí el que más me ha gustado ha sido el protagonizado por Leonardo Sbaraglia.

Qué mejor manera de empezar la primavera con uno de sus productos estrella: Las flores. Así se titula el segundo film de los directores Garaño y Goenaga. Si con el primero (80 egunean; en 80 días) ya consiguieron un buen film, con este, loreak; las flores, vuelven a hacere una hermosa obra.

Cartel florido

Las flores son el vehículo que utilizan los directores para sumergirnos en las historias, entrelazadas, de Ane, Beñat, Lourdes y Tere; sus encuentros y sus desencuentros.

Ane cuidando el obsequio

Ane está en un momento difícil de la vida, pero, por sorpresa, un buen día recibe un ramo de flores. Este hecho se repetirá puntualmente cada semana a un día y hora fijos.

Ane y Ander (Nagore Aranburu y Egoitz Lasa) preguntando quién es el desconocido que regala flores

Durante el film iremos descubriendo a Beñat, un hombre silencioso, y a Lourdes y Tere, nuera y suegra, que no se entienden demasiado bien.

Lourdes y Beñat

La película es delicada y desmadeja suavemente las historias esrechamente relacionadas con los ramos de flores. La música, de Pascal Gaigne, ayuda bastante a sumergirse en el relato.

Tere también quiere saber quién deja flores

A pesar de estar nominada a los Goya como mejor película, no tuvo opción de victoria y, a mi juicio, después de haber visto las candidatas, creo que es una vergüenza que se fomente más el peso de una productora importante que una que quizá no se haya dado tanto a conocer fuera, porque, además, aunque la den doblada, es una película rodada en una lengua minoritaria y no demasiado bien tratada por las entidades públicas de subvención.

Lourdes y Ane

Seguro que muchos no habéis visto ni anunciada la peli en los cines, aunque hayáis podido ver otros horrores mucho más famosos. Así nos va.

LOREAK, 2014

Duración: 99m.

Género: Drama.

País: España.

Dirección: Joxemari Goenaga; Jon Garaño.

Guión: Joxemari Goenaga; Jon Garaño; Aitor Arregi

Música: Pascal Gaigne,

Reparto:

Nagore Aranburu: Ane

Itziar Ituño: Lourdes

Itziar Aizpuru: Tere

Joxean Bengoetxea: Beñat

Egoitz Lasa: Ander

Jox Berasategi: Jexux

Ane Gabarain: Jaione

Joxe Ramon Soroiz: Txema

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De Juli Gan

Cantaba regular, pero movía
el culo con un swing que derretía
el hielo de las copas

"El caso de la rubia platino" Joaquín Sabina
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Johnny es un buscavidas tramposo que acaba en Argentina trabajando para el frío dueño de un casino ilegal. Pronto se hará amigo de su jefe, convirtiéndose en su hombre de confianza, pero todo cambiará cuando el millonario regresa de un corto viaje casado con Gilda, una preciosa joven de la que se ha enamorado a primera vista. El problema es que Johnny y Gilda mantuvieron un tempestuoso romance tiempo atrás por lo que el objetivo de la joven parece ser complicarle la vida a Johnny, que hará lo posible por ocultarle a su jefe los devaneos amorosos de su esposa.

Para mí ha habido tres grandes femme fatales a lo largo de la historia del cine. Una es Ava Gardner en "Forajidos" y la otra es Rita Hayworth en "Gilda" (la tercera es Jessica Rabbit, pero la dejaremos al margen). Y es que la película es cine negro de calidad, todo el reparto está estupendo (creo que es la única peli en la que tolero a Glenn Ford), la relación entre el protagonista y el mafioso de su jefe capta la atención antes de la aparición de la actriz y el triángulo que forman los tres es fenomenal también, pero "Gilda" es Rita Hayworth, la película entera. De hecho Frank Sinatra dijo en su día que Rita Hayworth era Columbia y tenía sus motivos.

Ya antes del filme del que hablamos hoy Rita Hayworth era una estrella, había trabajado con Cary Grant, Tyrone Power, Gene Kelly y Fred Astaire (se le daba bien el baile, empezó con su padre, un bailarín sevillano), pero "Gilda" la consagró en Hollywood convirtiéndola en uno de los mayores sex symbols de la historia y la actriz mejor pagada del momento. Su Gilda carecía de la maldad y codicia que ocultaba el personaje de Ava Gardner, pero sí poseía esa picardía y descaro que toda femme fatale debe tener. Eso, y una belleza rotunda y sexual. Para algunos sitios, demasiado sexual.

En España "Gilda" se estrenó en 1947, y si bien sorteó a la censura, la iglesia y el sector más puritano de la sociedad hicieron una férrea campaña contra la película. En misa los curas decían que quien viese "Gilda" iría directamente al infierno, en los periódicos se escribían artículos advirtiendo del peligro que suponía el filme para la moral del país y algunos indignados tiraban cubos de pintura contra las pantallas de los cines donde se proyectaba, arrancando los carteles de las calles mientras entonaban el Cara al Sol.

Todo fue en vano. La gente iba a los cines de otras localidades para que sus vecinos no les vieran asistir a la proyección, pero "Gilda" fue un éxito total. Muchos salían decepcionados con la escena del guante, pues había rumores de que en la versión íntegra que se proyectaba en Francia Rita Hayworth se desnudaba por completo (algunos sacaron partido de este falso rumor vendiendo fotos trucadas en las que habían pegado la cara de la actriz a un cuerpo desnudo), pero por lo general la gente quedó encantada y el filme se convirtió en todo un acontecimiento (en Barcelona apodaron a un autobús "Gilda" por lo mucho que se movía a consecuencia de los baches y curvas del trayecto).

Dos años después el mismo director juntó de nuevo a la pareja protagonista en "Carmen y sus amores" (donde Rita Hayworth dio vida a la única gitana pelirroja de la historia), pero no logró ni de lejos el éxito de "Gilda". Sirvió, eso sí, para desmentir los rumores que afirmaban que Rita Hayworth y Glenn Ford se llevaban mal tras el rodaje de "Gilda". Muchos aseguraban que el famoso bofetón que le dio el actor a Hayworth fue improvisado y en venganza por los que ella le había dado en otra toma, que sí estaban en el guión, pero que le costaron a Ford dos dientes. Lo cierto es que la pareja se llevaba estupendamente y cuando Rita Hayworth murió Ford cayó en una depresión de la que nunca llegó a sobreponerse.

En conclusión, "Gilda" no sólo es un clásico y una película de culto, sino un ejemplo de cómo un personaje y una actriz pueden remover la sociedad con el simple hecho de quitarse un guante.

En realidad no es Rita Hayworth a quien oímos, la pobre estuvo dando clases de canto, preparándose a conciencia para la película, pero al final decidieron sustituir su voz por la de Ana Ellis, una cantante profesional (cosa que al parecer amargó a Hayworth el resto de su vida) y durante el rodaje de la escena llevaba un corsé ajustadísimo porque había dado a luz poco antes y no entraba en el vestido, pero da lo mismo.
La que canta no es Rita Hayworth, ni Ana Ellis, sino Gilda, seguramente la femme fatale más famosa de la historia del cine.

Doctora

Londres 1984, un par de amigos que participan en la manifestación del Día del Orgullo Gay, deciden recaudar dinero para ayudar a los mineros de Gales, que mantienen una agotadora huelga contra el gobierno de Margaret Thatcher.

Crean el grupo LGSM (Lesbian and Gays Support the Miners) con el que consiguen reunir algunos fondos, pero su sorpresa llega cuando se encuentran con que su mayor problema a la hora de hacer llegar su ayuda a los huelguistas proviene del propio sindicato minero que se niega a recibir el dinero.

A la hora de enfrentar esta historia real, muchas son las tentaciones en las que podía haber caído una película como Pride, y resulta admirable que consiga sortearlas. Consigue evitar caer en el cine social más aburrido y panfletario, tampoco se deja tentar por el maniqueísmo, y lo que es mejor, consigue no perecer ahogada en las procelosas aguas de las buenas intenciones y el sentimentalismo fácil.

Y se me olvidaba, también nos ahorra esos gays tan graciosos-solo-porque-son-gays al estilo de "Priscilla, Reina del Desierto". Gracias Matthew Warchus, gracias Stephen Bersesford, de verdad, gracias.

Ignoro, y francamente no quiero saberlo, quién fue el primero en pensar que la mejor manera de promocionar una película era hacer referencia a otra que fue un éxito. Aún menos tengo intención de conocer a "los creadores" de mencionar a dos o más títulos para presentar un estreno.

Desgraciadamente, quien haya diseñado la publicidad de Pride ha escogido esa infame línea para perpetrar frases como "Si te gustaron "Billy Elliot" y "The Full Monty""Pride" te entusiasmará".

Una cosa ¿Y si no te gustaron? Es más ¿y si no te gusta ver películas que ya has visto antes?

Flaco favor a una película tan bien construida y sólida como Pride, compararla con Billy Elliot, una cinta que, una vez despojada de sus loables buenas intenciones y las habituales grandes actuaciones a las que nos tienen acostumbrados los repartos británicos, tenía bastante poco que ofrecer en una segunda visión.

Respecto a Full Monty, muchas son las virtudes de la película de Peter Cattaneo, pero no confundamos los términos, una cosa es que ambos sean títulos muy apreciables con ciertos puntos en común, y otra muy diferente que Pride sea una película "a lo Full Monty".

Además del inesperado descubrimiento de la cantidad de gente de cualquier gremio estaba deseando desnudarse públicamente con (o sin) motivos benéficos, el inmenso éxito internacional de Full Monty trajo a nuestras vidas un género cinematográfico basado, sobre todo, en las buenas intenciones y el optimismo. Unir esto con el agradecido humor británico y actores siempre acertados ha dado como resultado una serie de películas de (muy) agradable visión y que a menudo cumplen con el loable objetivo de rescatarte de un mal momento.

Sin embargo, como cualquier otro subgénero cinematográfico contiene buenos títulos y otros bastante olvidables, y lo que es peor, existe una inevitable tendencia a repetir una y otra vez las mismas fórmulas que a la larga pueden llevar a la falta de creatividad y a perecer por agotamiento.

Películas como El jardín de la alegría, Lucky Break, Greenfingers (obviemos su espantoso título español), Pisando fuertes... son títulos que han mantenido un nivel medio de calidad bastante aceptable, pero cuya repercusión ha ido decayendo al tiempo que disminuía su originalidad.

Me gustaría seguir disfrutando de un cine realizado con humor y buenas intenciones, con magníficas interpretaciones y altas dosis de optimismo, pero también que huya de los tópicos más fáciles y con un cierto nivel de exigencia.

Así que bienvenida sea Pride como una posible salida al laberinto de la comedia británica, basado en una mayor calidad, como demuestra que haya conseguido encontrar el tono justo para contar este enfrentamiento entre el orgullo de su condición sexual que han necesitado los homosexuales para reclamar sus derechos y su visibilidad en el mundo, y los prejuicios tan enquistados como inexplicables que llevan a que alguien pueda rechazar una ayuda que a todas luces necesita.

Bien está también recordar también el valor de la unión y de la lucha, en momentos como estos, tan similares a aquellos en que Thatcher y su gobierno impusieron una política neo-liberal que destruyó no pocos derechos adquiridos.

Y mucho mejor hacerlo con un nivel cinematográfico superior a la media, con el punto justo entre sentimientos y humor, sin caer en el sentimentalismo. Os invito pues a disfrutarla, a ser posible en versión original, ya que el particular acento galés es una parte importante de las actuaciones. Y a dejaros llevar por una cinta en el que, como en la vida, no todos son guapos ni todos los finales son felices, pero que os hará salir con una sonrisa, y quizá una lágrima, del cine.

　
　
　
Loque

No tan lejos de Madrid me pilla esta reseña,ciudad natal de Carlos Vermut. Ya en “Historias troyanas”,quise seguirle la pista,después de ver "Magical Girl" la película que conquistó tanto a público como a crítica en el 2014.

Sin embargo, los Goya de este año,sólo premiaron a Barbara Lennie por su elogiable interpretación, dejando sin galardón al soberbio José Sacristán y dejando la película al margen también de los principales premios ¿demasiado poco convencional? Una película muy, muy rara para competir con otras de estructura más al uso,sin desmerecer por otra parte los méritos de la gran triunfadora de la ceremonia que fue "La Isla Mínima"

Pero ahondemos un poco en el universo de Carlos Vermut, desde que en 2011, irrumpiera con en el cine español,con muy pocos medios con la película “"Diamond Flash". Un ramillete de historias donde las mujeres son protagonistas absolutas,y de forma más residual ,los hombres ocupan un papel secundario, salvando la figura del superhéroe que da nombre al título de la película.

El/la espectad@r asiste al cruce de varias vidas que a veces se tocan visiblemente, y otras,están conectadas por hilos que se escapan a nuestro control. Es ésa una de las claves del cine de Vermut,dejar preguntas abiertas,puzles sin completar,es a nosotros a quienes nos corresponde hipotetizar,imaginar,construir los puentes que no se terminan de tender.

En “Diamond Flash” ,se nos presenta la vida de cinco mujeres,cuyo único punto en común es que todas están quebradas por el dolor.
Son historias de mujeres que arrastran un carga emocional que en muchos casos las supera,tanto que algunas ya han cruzado la fina línea que separa la cordura de la locura. Son víctimas,pero también verdugos,algunas se valen de la violencia para vengar su frustración, o utilizan a terceros ( incluso de un superhéroe),para saldar las cuentas con un tormentoso pasado.
No hay maniqueísmos en el cine de Vermut,y sí un claro relativismo moral en el que nadie es absolutamente bueno o malo.

No hay reparos en diseccionar la condición humana básicamente como contradictoria,impredecible,en un duelo constante entre la razón y la emoción.

Tal como se aludía el anfitrión de "la casa de los horrores" en "Magical Girl",los español@s estamos perdid@s en esa tierra de nadie entre la razón y la emoción,no somos ni como los países nórdicos ni como los árabes o los latinos,todos conscientes y cómodos en sus respectivos posicionamientos.
Se entienda bien la reflexión,más allá de los estereotipos,nuestra cultura se mueve entre muchas aguas y a veces ,en medio de esa imprecisión,adolece de extremismos.

Tampoco hay freno a los impulsos,no es un cine políticamente correcto,es una cine que pasa de los prolongados silencios a la siempre inesperada violencia en unas décimas de segundo y que coquetea con la ficción y con los géneros,valiéndose de personajes que bien podrían salir del cómic para interactuar en una realidad muy difícil de sobrellevar.

Sin dejar “ Magical Girl” , leí algún artículo en el que se analizaba el mal lugar en el que el film deja a la mujer: ¿manipuladora? ¿perturbada? Sigo reflexionando sobre los arquetipos femeninos y masculinos, y la única conclusión a la que llego es que Carlos Vermut no deja en buen lugar ni a hombres ni a mujeres.

Da la impresión o yo interpreto que está decepcionado de la condición humana, por eso su cine, perturba e incomoda, tal cual lo haría el de Haneke o Lars Von Trier, no es un cine ni amable ni complaciente, es un cine que deja a la luz nuestras miserias, y va más allá, ahondando incluso en la maldad, no siempre como una patología ( que también) sino como una opción deliberada y consciente de la propia voluntad.

Es por eso que nos asusta, porque quisiéramos tener dominados, perfectamente etiquetados bajo el prisma de la psicopatología muchos actos, que en ocasiones brotan del lado más oscuro y animal del ser humano, ése que intentamos tener siempre bajo control. Desde el punto de vista de la estética o la ambientación, no hay apenas exteriores ( ni en Diamond Flash ni en Magical Girl),la acción( o la no-acción) se desarrolla en interiores austeros,silenciosos,con una fijación incluso a veces “oriental” por los detalles.

Pongamos de ejemplo en “Magical Girl”,la escena en que Damián ( José Sacristán )se viste para encontrarse con Luis (Luis Bermejo): la música(“la niña de fuego” de Paco Caracol), el ritual de cada prenda,la cámisa,la colonia….recuerda al ritual de un torero a la hora de ponerse el traje de luces,es una escena que cautiva por completo al espectador.

No es de extrañar,por ésta y otras razones,que cineastas como Pedro Almodovar,hayan caído rendidos a sus pies.

Como veis, no hay mucho lugar para la frivolidad,Vermut nos lleva a debates éticos, y por eso,es preciso escoger bien el momento para entrar en su universo particular, tal vez sombrío y amargo,pero en el marco del panorama cinematográfico actual,un cine de autor con mayúsculas,que nos deja desazonados ,pero que aporta unas señas de identidad inconfundibles e innovadoras.

Feliz fin de semana zinéfil@s,

Troyana

Glenn Close es Patty Hewes en "Daños y perjuicios" ("Damages")

(todofondosdeseries.com)

La moda de los malos y las malas

Antaño, por lo general, los protagonistas de las series televisivas eran gentes angelicales, ejemplares, heroicas, que rozaban la santidad. Las médicas y enfermeros de “Urgencias” se inmolaban por sus pacientes; Laura y Charles Ingalls rezumaban dulzura por todos sus poros; y Bill Cosby era el intachable pedagogo e irreprochable educador que todo el mundo quería tener como padre (eso en la ficción, claro, porque no hace falta que os recuerde nada sobre la verdadera vida del actor, ¿verdad?).

Pero luego, ¿qué pasó? Pues quizás que nos estomagamos con tanta azúcar y vino la moda de las y los protagonistas malvados. Afortunadamente.

Puede que el culmen lo alcanzara "House" y lo rematara Francis Underwood en "House of Cards", sin olvidar a toda esa cuadrilla de gentes perniciosas que acompañan a Alicia Florrick en "The Good Wife".

Mala requetemala

Y llegamos ya a la protagonista. No. Corrijo: más que protagonista, estrella indiscutible de “Daños y perjuicios” (en versión original "Damages" y en adelante DYP), la inefable e insustituible Patty Hewes, una tipa antipática, poderosa, dañiña, malvada y temible. Lista como un demonio. Para cuando tú vas, ella ya ha vuelto varias veces. Y es muy muy peligrosa. Más te vale no tenerla como enemiga; pero eso, claro, no dependerá nunca de ti.

Por eso no sorprende a nadie que los creadores de DYP, el trío de productores formado por Daniel Zelman y los hermanos Glenn y Todd A. Kessler, trío conocido como KZK, pensara inmediatamente en Glenn Close para el papel, pues la buena de Close ya tenía una trayectoria de mala firmemente labrada en “Atracción fatal”, “Las amistades peligrosas” y “The Shield”.

Por cierto, no puedo dejar de notar esta curiosidad: tres creadores, tres hombres, construyen una ficción protagonizada principalmente por mujeres poderosas; porque no os he dicho, que, además de la estrella Patty Hewes, la coprotagonista es la abogada Ellen Parsons, una tía también de armas tomar (y lo de las armas no es una expresión figurada). A estas se une en la segunda temporada una tercera abogada, Claire Maddox, y las tres van de capítulo en capítulo tejiendo alianzas y venganzas como en la mismita vida.

Rose Byrne es Ellen Parsons en DYP

(henry3-whatsthedeal.blogspot.com)

Patty Hewes, el personaje, fascina en la primera temporada; no tanto en la segunda. Los guionistas (en este equipo sí hay una o dos mujeres, según la temporada) quieren darle una dimensión más familiar, más “humana”, y lo estropean un poco. Parafraseando a Mae West podríamos decir que Patty Hewes, cuando es mala, es mejor.

(Casi) nadie inventa (casi) nada

Además de la protagonista demoníaca, DYP tiene ingredientes de muchas otras series. ¿En qué fue pionera y qué imitó? ¿Qué ha copiado y qué le han copiado?¡Ummm! Son buenas preguntas. Para responderlas con rigor, debería cotejar concienzudamente fechas de emisión y producción, pero como este artículo no tiene pretensiones científicas, voy a confiarme a mi intuición.

DYP se rodó en Nueva York y en la ficción era Nueva York, como en “Sexo en Nueva York”. Esta parece una puntualización un poco tonta, pero debo recordaros que la inmensa mayoría de las series norteamericanas se ruedan en Los Ángeles, aunque la ficción de desarrolle en Albany o Cincinatti. Otra excepción es “The Good Wife”, que también se rueda en Nueva York (en Brooklyn, para ser exacta), aunque la ficción se desarrolla en Chicago.

Siguiendo la moda que instauraron las diferentes franquicias de CSI con The Who, los títulos de crédito de DYP también se amenizan con una pieza de pop rock, “When I Am Thtough With You”, de The VLA, que, la verdad sea dicha, cuando tienes que escucharla al principio y al final, episodio tras episodio, se hace demasiado estridente e incluso un poco cargante, cosa que no sucede con el excelso piano de “House of Cards”.

Y, a propósito de “House of Cards”, debo decir que sí imitó a DYP en las imágenes que adornan los títulos de crédito. DYP, según leo en su entrada en la Wikipedia en inglés, muestra esculturas callejeras de Nueva York, como “The Glory of Commerce”, que remata el edificio de la estación Grand Central Terminal; “Civic Fame”, en lo alto de un edificio consistorial de Manhattan; “Asia”, en la fachada de la Casa de Aduanas Alexander Hamilton; o el friso del edificio del Tribunal Supremo del Condado de Nueva York, que muestra una cita de George Washington: “Una correcta administración de justicia es el más firme pilar de un buen gobierno”.

Acabo con dos cositas más que tienen en común DYP y “The Good Wife”. Una, que ambas series reproducen un parecido ambiente en el que pugnan por el poder gentes de la política, la justicia, las grandes empresas (del ámbito de la energía, las finanzas, la tecnología), magnates, multimillonarios, abogadas despiadadas, políticas y políticos sin escrúpulos, asesores con piel de hiena, grandes profesionales de los medios… Una gozada, vamos.

Marcia Gay Harden es Claire Maddox en DYP

(news.directv.com)

Y dos: que ambas se inspiran en hechos reales, en acontecimientos de los gordos, de Estados Unidos, claro, de los que tienen eco en ámbitos políticos y mediáticos: el escándalo Enron, el caso Madof, Wikileaks... Y ambas lo hacen bien, porque disfrazan convenientemente los escándalos, lo suficiente como para que se reconozcan sin que se identifiquen del todo. Algo parecido quiso hacer “The Newsroom” y le salió mal.

La trama

Acabo esta reseñita con lo más característico de DYP: su trama, su narrativa no lineal, con saltos hacia adelante y hacia atrás en el tiempo, sus giros inesperados, sus vueltas y retorcimientos de tuerca, presagios, posibilidades de hechos que puede que hayan sucedido y puede que no, maniobras de distracción, estrategias que conducen a falsas conclusiones, múltiples líneas argumentales y cabos deliberadamente sueltos que se retoman cuando al guión le conviene. En fin, que resulta todo muy entretenido y de verdad engancha.

Por ejemplo, en la primera temporada, desde el comienzo del episodio uno, ya sabemos qué pasará al final del número trece. La gracia está en descubrir cómo demonios llegamos hasta ahí. Zelman lo explica así [traduzco libremente de la Wikipedia]: “Desde el principio sabemos adónde nos dirigimos y vamos construyendo momentos que apuntalan la trama y conducen a ese final deseado, que tenemos siempre muy claro, aunque también dejamos espacio a la improvisación”.

En fin, zinéfilaz y zinéfiloz, teleadictas y teleadictos del planeta, me apuesto mis plantaciones de algodón a que, si veis la primera temporada, querréis ver la segunda. Y de las demás ya hablaremos. Os saluda cariñosamente vuestra amiga

Noemí Pastor

Dicen que se desea aquello que se ve habitualmente y no se puede tener. Pues bien, eso es exactamente lo que le ocurre a nuestro protagonista: está fascinado por el retrato de una mujer que ve a diario en un escaparate. Cada día, se detiene y lo contempla durante unos minutos.

Título en castellano La mujer del cuadro

Título original The Woman in the Window

Año 1944

Duración 99 minutos

País Estados Unidos

Director Fritz Lang

Guión Nunnally Johnson

Novela J.H. Wallis

Música Arthur Lange

Fotografía Milton Krasner

Productora International Pictures. Distribuida por RKO

Reparto

Edward G. Robinson, Joan Bennett, Raymond Massey, Edmund Breon, Dan Duryea, Thomas E. Jackson, Dorothy Peterson, Arthur Loft, Frank Dawson

Sinopsis

El profesor Wanley y sus amigos comienzan a obsesionarse con el retrato de una bella muchacha, que está expuesto en el escaparate contiguo al club en que se reúnen. Wanley conoce por casualidad a la mujer del retrato y acepta ir a su apartamento. Pero allí ocurrirá algo inesperado.

Maestro indiscutible, el director austríaco Fritz Lang desarrolló su excepcional carrera primero en Alemania (Metrópolis, 1927; M, el vampiro de Düsseldorf, 1931) y posteriormente en Estados Unidos (Perversidad, 1941; Los sobornados, 1953; Deseos humanos, 1954). En su etapa estadounidense encontramos el género policíaco y también la crítica social en la que ponía en tela de juicio algo que le llevó a ser investigado por el Comité sobre Actividades Antiamericanas.

Aunque La mujer del cuadro se asocia al género negro quizás se acerque más a la intriga a pesar de contar con esos claroscuros en el blanco y negro de entonces tan característicos del género y también un hombre bueno, enamorado de una mujer… bueno, una femme fatale. Un argumento –del que no comentaré nada- que nos va envolviendo a medida que se complica la trama y es capaz de engancharnos sin remedio.

Tengo predilección por el protagonista de esta película, el gran Edward G. Robinson que ha demostrado ser un gran actor en diferentes tipos de películas y personajes. Lo hemos visto como gangster en Cayo Largo (1948), jugador en El rey del juego (1965), en la comedia Millonario de ilusiones (1959), en el género épico Los diez mandamientos (1956), o como hombre corriente en Perversidad (1945), etc... Tiene un físico que sabe adaptar perfectamente al personaje y lograr toda esta variedad de personajes míticos. Puede ser duro pero también muy tierno.

La mujer del cuadro tiene el rostro de la actriz Joan Bennett (Perversidad, 1945; El padre de la novia, 1950), una mujer bella pero fría que tiene cautivado al protagonista aunque el apelativo clásico de femme fatale, desde mi punto de vista no es del todo aplicable a este personaje.

La película es muy interesante de principio a fin, pero me parecen especialmente interesantes aquellas conversaciones que tienen lugar en el club donde nuestro protagonista se reúne diariamente con sus amigos en donde casi más que meros testigos nos ponemos del lado de un punto de vista o de otro.

Para quien nunca haya visto La mujer del cuadro, que no se moleste en leer críticas u opiniones, que intente no saber nada de nada sobre la trama y que si le apetece disfrutar de todo un Clásico le haga un hueco para poder disfrutarla totalmente.

Con esto de que hay enfrentamientos raciales en los EEUU, como si estuviéramos en los años 60 del pasado siglo, y que el último conato se ha registrado en la ciudad de la costa este llamada Baltimore, me ha traído a la memoria una divertida película de 1988 que, no por ello,deja de denunciar la segregación racial. Se trata de la peli de John Waters "Hairspray" (Laca).

Mami e hija

Para mi gusto, es mejor la original que la versión musical de 2007 donde sale John Travolta en vez de Divine, Cristopher Walken, Michelle Pfeiffer (En vez de Debbie Harry) o Queen Latifah. Por cierto, Ricki Lake (Tracy Turnblad) hace un cameo en la de 2007.

Los Turnblad

La primera vez que vi esta peli, gracias a que un genio desconocido, a principios de los 90 la coló en una emisión vespertina de la tele, me fascinó. La encontré graciosa, marchosa, divertida y con mensaje. ¡Y menuda banda sonora! Mención especial deben los títulos de crédito, donde se usa más laca (Hairspray) por centímetro cúbico que en las melenas de un conjunto heavy.

Tammy y Corny

Esta peli, tan del universo Waters, nos transporta a 1962, a una ciudad donde los adolescentes bailan pegadizos temas con sus correspondientes bailes, ya se llamen "pony time", "mashed potatoe" (puré de patatas), "the bird", "the fly", el "madison" o el "twist" que suenan por la tele desde el estudio de grabación donde se transmite "el show de Corny Collins".

Tracy sale en el show de Corny Collins

Tracy Turnblad y su amiga Penny Pingleton desean muchísimo acudir a tal show con la posibilidad de hacerse bailarinas fijas, como un grupo de elegidos y elegidas hacen. En ese grupo de bailarines elegidos destaca una rubia pija llamada Amber, cuyos padres son dueños de un parque de atracciones segregacionista (Donde no pueden entrar negros). La madre, que es nada menos que Debbie Harry, la cantante de Blondie, es una despiadada rubia que proyecta en su hija la perfección para ser la más guapa y la más deseada para que sea convertida en reina del salón del automóvil de 1963. El padre de la pija es Sonny Bono, ex de Cher. Todo muy gracioso.

La madre que vive por su popular hija

Tracy Turnblad es una rechoncha adolescente hija de Edna (Divine) y Wilbur (Jerry Stiller, el padre de Ben Stiller). Edna es planchadora y Wilbur tiene una tienda de artículos de broma. Su mejor amiga, Penny Pingleton es hija de una estirada y religiosa mujer que se pasa el día controlando a su hija. En castellano no se aprecia, pero en inglés a la pobre Penny le persigue la P porque está "Permanently punished" (Castigada permanentemente) y para ello llevará la letra escarlata P cosida en su ropa, para que todos lo sepan. En fin.

Las mujeres tienen su peso en esta peli

Tracy, a pesar de su sobrepeso, consigue hacerse un hueco en el show de Corny Collins, donde acaba robándole el novio (Link) a la mismísima rubia pija, Amber, y ella jura venganza.

Bailando en la tele

Tracy se convierte en una persona popular y su madre, Edna, la gran Divine, hace de representante. Consiguen hasta hacer de modelos de la tienda de ropa de tallas grandes del señor Pinky. Los peinados llenos de laca de Tracy son desafíos a la gravedad, y a la capa de ozono, y eso le cuesta un disgusto escolar.

A todo esto, el show sólo es para niños blancos. Los negros no pueden entrar. Sólo en su día para ellos. Muchos opinan que eso ha de cambiar, por ejemplo, Tracy.

En el colegio Tracy conoce a Seaweed, un chaval negro que es el hijo de Motormouth Maybelle, una marchosa afroamericana que pincha discos en el show de Corny Collins y siempre habla en verso (Aún no hay rap). Los negros pueden cantar y tocar música, pero no pueden bailar en el show, tócate las narices.

En el barrio negro

Penny y Seaweed se enamoran perdidamente, lo que crea un conflicto grave de pareja multirracial. La madre de Penny decide encerrar a su hija después de haberla seguido hasta el peligroso barrio de los negros, donde ha ido con sus amigos a bailar al local de Motormouth. Por cierto, el psiquiatra que trata a Penny es John Waters.

La madre de Penny en el barrio negro

Los problemas de luchar contra la segregación hacen que a Tracy la ingresen en un reformatorio y se monta un cristo enorme por ser una persona popular. Es un momento de cambio. Hasta el peinado lo es. Tracy rechaza la laca para alisarse el pelo (Tímidos comienzos del hippismo, heredero del beatnik. Por cierto, Pía Zadora y Rick Ocasec hacen un cameo vestidos de beatnicks).

En casa de los beatniks

La apoteosis es en el parque de atracciones donde se coronará a la reina del salón del automóvil. Pero eso, mejor lo veis vosotros.

Wilbur y sus polvos pica pica (Les echa unos polvos a los Von Tussle) ¿Un trío?

La peli, colorida y vital, a pesar de ser una comedia, no deja de tener su mensaje, o sus mensajes, porque despeja tanto la segregación racial como la de la talla 36.

Ah, Divine hace dos personajes, a ver si encontráis el segundo antes de los títulos de crédito finales.

Ficha técnica:

Hairspray

Año: 1988

Duración: 87'

País: EEUU

Género: Comedia musical

Director: John Waters

Guión: John Waters

Música: Kenny Vance

Reparto:

Ricki Lake (Tracy Turnblad)

Divine (Edna Turnblad)

Jerry Stiller (Wilbur Turnblad)

Colleen Fitzpatrick (Amber von Tussle)

Debbie Harry (Velma von Tussle)

Sonny Bono (Franklin von Tussle)

Ruth Brown: (Motormouth Maybelle)

Leslie AnnPowers (Penny Pingleton)

Joan Havrilla (Prudence Pingleton)

Clayton Prince (Seaweed)

Michael St. Gerard (Link Larkin)

Shawn Thompson (Corny Collins)

Mink Stole (Tammy)

Juli Gan

Títulos de crédito:

"El que no cree en la magia nunca la encontrará."

Roald Dahl
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Inglaterra, 1940. Por orden legal una excéntrica solterona se verá obligada a acoger a tres niños que han sido desalojados de Londres huyendo de los bombardeos alemanes. Las estrictas normas y el carácter autoritario de la mujer amargará la existencia de los niños hasta que estos descubren que su anfitriona es una aprendiz de bruja que recibe lecciones de magia por correo.

Su intención es dominar un hechizo con el cual vencer a los nazis, pero justo cuando debe llegar el ansiado conjuro le comunican por carta que la academia ha cerrado. Así, la bruja y los niños irán en busca del director de la escuela (que resulta ser un ilusionista de poca monta) y juntos se embarcarán en un viaje para encontrar el amuleto que contiene las palabras mágicas, ahora en manos del rey de una isla habitada por animales.

Si hay una película que le venga a una a la mente tras ver "La bruja novata" es sin duda "Mary Poppins", y no es por casualidad. En realidad Disney se hizo con los derechos de los libros en los que se inspiró "La bruja novata" antes incluso de rodar "Mary Poppins", como una especie de seguro, por si la historia de la niñera mágica fracasaba en taquilla. La cuestión es que "Mary Poppins" resultó un éxito tan grande que no dudaron en llevar al cine la peli que hoy os traigo y para repetir el éxito contaron con el mismo director y los mismos compositores que trabajaron en la peli de Julie Andrews, a quien también quisieron fichar como protagonista. Finalmente el papel fue para Angela Lansbury (quien al parecer no disfrutó mucho el rodaje debido a la abundancia de efectos especiales) aunque si veríamos a David Tomlinson tras las negativas de Peter Ustinov y Ron Moody (que se negó a participar en la peli cuando le dijeron que su nombre no iría el primero en los créditos).

Por desgracia la respuesta del público no fue la esperada y así, la película pensada para enmendar un fracaso fue la que finalmente se la pegó en taquilla, recuperando a duras penas el dinero que costó. Y hasta cierto punto es comprensible.
"La bruja novata" es una peli muy simpática, pero tiene constantes bajones de ritmo y el clímax final no es todo lo espectacular que debiera.

Se salvan, eso sí, las escenas que mezclan animación en la isla de Naboombu, pero incluso estas parecen descartes de "Mary Poppins" (de hecho la escena de abajo estaba pensada para Julie Andrews y Dick Van Dyke).
Así, lo más memorable quizá sea el partido de fútbol entre los animales (y menos mal que se decidieron a incluirlo, porque la idea inicial era sustituir el partido por una canción en la que Angela Lansbury distraía al rey para robarle el amuleto).

En definitiva, podemos considerar a "La bruja novata" como a la hermana sosa de "Mary Poppins", amena, pero sin el encanto necesario para resultar memorable. Como decía Joaquín Sabina, quizá lo único que le falte sea un buen estribillo.

Doctora

Resulta sorprendente que, habiendo completado tan solo siete novelas sea Jane Austen una autora tan sumamente adaptada al cine y a la televisión.

Dicho así y aunque probablemente todos podamos recordar algunas adaptaciones más o menos recientes, quizá parezca que no existen tantas adaptaciones, pero si consultáis esta exhaustiva lista del sitio Jane Austen en Castellano, es fácil cambiar de idea.

Sin embargo, es posible que al pensar en adaptaciones a la pantalla (pequeña o grande) de obras de Austen, todos pensemos en las que se produjeron hacia mediados de los noventa. y es que resulta curioso (o quizá no tanto) que cada cierto tiempo, se "pongan de moda" las adaptaciones de determinados autores.

El más misterioso caso es, por lo menos para mí, el de las adaptaciones (casi) simultáneas de "Las relaciones peligrosas" de Choderlos de Laclos, que conllevó el (lógico) fracaso total de taquilla de la que se estrenó en segundo lugar: "Valmont" de Milos Forman.

Si "Las amistades peligrosas" (pinchad en el enlace, por favor) de Stephen Frears supuso un viaje directo al estrellato de sus protagonistas a nivel mundial y de forma duradera, y hasta pudo hacer que John Malkovich pasara por un hombre atractivo durante un tiempo (la magia del cine, lo llaman), no supuso ninguna variación profesional de importancia al protagonista masculino de Valmont, Colin Firth, y no le concedió ni el estatus de estrella y de candidato idóneo para papeles de héroe romántico, que le aguardaba poco después.

(Apunte frívolo: aunque por lo menos le sirvió para conocer a su compañera de reparto, Meg Tilly, con la que mantuvo una relación y con la que llegó a tener un hijo.)

Aún más curioso que Colin Firth no fuera considerado un galán y sí, Malkovich, es que una versión posterior (y actualizada) de la obra de Laclos, "Crueles Intenciones" creara otra pareja, mucho más duradera, entre los actores que interpretaban a Valmont y Tourvel, Reese Witherspoon y Ryan Phillippe.

Por cierto que en este caso, por segunda vez, la adaptación poco, o nada, hizo por la carrera de Witherspoon, por la de Ryan Phillippe... por esa carrera nadie podía hacer nada.

Pero me estoy desviando del tema principal, que es cómo la obra de Jane Austen conoció su enésimo momento de esplendor en los años 90, gracias sobre todo a las películas Emma, Sentido y Sensibilidad y la miniserie de la BBC "Orgullo y Prejuicio".

Vayamos por partes.

Sentido y Sensibilidad, fue un buena adaptación aunque como cualquier adaptación , tuviera que simplificar tramas, cambiar algunos personajes y sacrificar un poco de aquí y un mucho de allá para conseguir reducir a un metraje comercial una novela de unas 400 páginas.

En su momento corrieron ríos de tinta (toda la vida llevo intentando colocar este tópico de alguna manera, en algún sitio, y por fin lo he conseguido, ¡Gracias de nuevo, Jane Austen!) así que solo añadiré que el único reproche que tengo que hacerle al título de Ang Lee, es su literal traducción de su título al castellano, todo un ejemplo de un "false friend" que desde entonces persigue a la obra y hasta se ha extendido como una gripe mal curada a varias ediciones posteriores.

Emma, fue una muy correcta adaptación de época de una de las novelas más abiertamente humorística de la autora británica. La protagonista que da nombre a la historia es una joven que guapa y afortunada económicamente, que conoce el halago de cuántos la rodean desde niña y que se cree capacitada para dar consejos a cualquiera, y qué ¿he dicho ya que el papel principal lo interpretó Gwyneth Paltrow?

No creo que haga falta decir nada más.

Aunque por supuesto que no he visto todas las adaptaciones cinematográficas de "Orgullo y Prejuicio", y pinchando en el enlace de Jane Austen en Castellano es fácil saber por qué, creo que a este título le falta una gran adaptación cinematográfica, una versión canónica en cine.

Aquí confesaré que tengo pendiente de revisar (la recuerdo muy vagamente) una súper producción del año 40 "Más fuerte que el orgullo", protagonizada por Greer Garson (otra habitual de las películas de época) y Lawrence Olivier, por lo que no puedo decir si podría tratarse de ese título referente.

Sí he visto la versión del 2005 con Keira Knightley y su eterno mohín como pareja protagonista (otros que viven una gran historia de amor) y a su favor diré que consiguió que me cayera bien Gwyneth Paltrow.

Sin embargo, existe una versión en forma de mini-serie de la BBC de los 90 que en "la secta de los Austinianos" (gracias Javier por el término) es la mejor de todas las habidas y por haber.

Dejemos a un lado sus, muchos, valores como adaptación, y vayamos a lo realmente importante: Colin Firth.

Rodada unos seis años después de Valmont, Firth que es un habitual en producciones de época, se convirtió en el Mr Darcy favorito de las austinianas del mundo y le convirtió en el galán que no consiguió ser con Valmont.

Curiosamente él no solo no estaba interesado en más producciones de época, sino en concreto en este personaje, ni autora, como podréis leer en el blog especialista en el tema Hablando de Jane Austen, donde os recomiendo que os empapéis de las muchas referencias a esta serie.

Al margen de que la adaptación es realmente impecable, hay que reconocerle a Firth el hecho de comprender el personaje de Mr Darcy mejor que nadie, ya que en otras adaptaciones es habitual encontrar un Darcy permanentemente enfadado, temible, casi.

Como el poco afortunado de Matthew Rhys en la reciente adaptación para televisión de "La muerte llega a Pemberley".

La tela de araña de las adaptaciones de Jane Austen es más amplia y tupida de lo que pueda parecer, y no solo afectan a Firth, aunque probablemente sea el mejor ejemplo.

La más obvia consecuencia de su Mr Darcy televisivo, fue el Mark Darcy de "El diario de Bridget Jones", esa versión más o menos libre de "Orgullo y Prejuicio", papel que evidentemente consiguió como consecuencia de la serie de la BBC.

No he mencionado la segunda parte "Bridget Jones, sobreviviré", porque íbamos a hablar de películas basadas en novelas de Jane Austen. Y no está basada en una novela, ni siquiera en un guión.

Volviendo a la alargada sombra que la autora británico ha proyectado en la vida de Colin Firth, le ha perseguido incluso en producciones tan alejadas del mundo de Austen, como "Un sueño para ella", una comedieta al servicio de la estrella cómica juvenil Amanda Bynes, que no merecería ni una línea si no fuera porque el personaje de Colin Firth se apellida Dashwood, como las hermanas protagonistas de Sentido y Sensibilidad.

Por cierto que si alguien cree que "Un sueño para ella" es la película más ... menos... del ganador del Oscar, es quizá porque no ha visto "Supercañeras - El internado puede ser una fiesta", peliculita que, advierto que al margen de contener una mentira flagrante en su título, sigue siendo mucho mejor que la segunda parte de Bridget Jones. Que tampoco era difícil, por otra parte.

Volviendo a su compañera de reparto en la citada mini-serie (y de nuevo pareja en la vida real durante un tiempo), Jennifer Ehle, aunque ha tenido una carrera mucho menos prolífica, sí que trabajó en una producción que, por lo menos para mí, tiene algo que ver con Austen y su mundo.

El drama de época Posesión, o para ser exactos, en la parte "de época", de Posesión, en la que coincidió con otro habitual de películas de época, y ¡oh, sorpresa! protagonista masculino de Emma, en su versión de los noventa anteriormente citada

Y en la parte "moderna", la protagonizaba la más irritante que nunca Emma en persona, G. Paltrow.

En fin, rastrear las huellas de Jane Austen en un terreno, en principio, tan acotado, como el cine comercial de los últimos años es casi imposible, y nos recuerda la vigencia de la autora y lo inagotable de su corto legado.

Y no solo de adaptaciones de época vive el hombre, no hay que olvidar las muchas, muchísimas adaptaciones más o menos libres de sus obras, como la apreciable "Clueless", o directamente pastiches como el citado "La muerte llega a Pemberley", o "La joven Jane Austen".

Incluso alguna loca se atreve, hoy en día, a mancillar su buen nombre - desde la admiración - perpetrando alguna obrita que recoja su mundo, para darle una vuelta de tuerca (o dos, o tres) . Una loca como una servidora de Dios y ustedes, de la que podrán saber aquí, y aquí, y aquí.

Confesiones de una heredera con demasiado tiempo libre

Belén Barroso

Este libro se publica 198 años después de que Jane Austen saliera al jardín de su casa de Hertfordshire y, frente al espectáculo del sol de otoño poniéndose tras las colinas que coronaban la bella campiña inglesa, exclamara: «¿Será posible? ¡Si me he vuelto a romper una uña!»

Por cierto, y hablando de una vuelta de tuerca ¿sabíais que Firth también apareció en una adaptación de la citada obra de Henry James?

Próximamente "Películas (de época) en las que no aparece Colin Firth, ni que tengan nada que ver con Jane Austen", será más corto.

Loque

La fiesta del cine del 2015, este año me ha dado más de una alegría.
Y es que la opera prima del actor y ahora director Daniel Guzman"A cambio de nada" ha resultado todo un hallazgo.
Una película apta para quienes gustamos del cine de adolescencias de extrarradio,pero además de ese cine que aún trayéndonos a la memoria otros títulos ya legendarios del cine español (Barrio,por ejemplo o Manolito Gafotas)viene a aportar algo nuevo,fresco,veraz.

A caballo entre géneros (drama,comedia,cine social....) "A cambio de nada" nos cuenta la historia de Darío, (Miguel Herrán), un adolescente que huyendo del conflicto abierto que mantienen sus padres (soberbios María Miguel y una vez más,Luis Tosar) deambula por las calles de Madrid,con su fiel amigo ,tal cual fuera su escudero Sancho, (Antonio Bachiller),entablando amistades tan diversas y dispares como una anciana que vive sola y se dedicar a recoger muebles viejos de la basura,o un superviviente mecánico que no duda en saltarse la ley,si de salvaguardar el negocio,se trata.

"A cambio de nada" es una película sorprendentemente solvente que ha gustado a todos,a público y a crítica.No es ni simplona ni cae en burdos sentimentalismos de sobremesa.Sí,en cambio nos deja el retrato honesto y auténtico de una adolescencia perdida,hambrienta de referentes alternativos a los padres,con dificultades para encajar,pura y noble de valores que no precisan retoques y sí refuerzo y acompañamiento. Una lección de amistad,de fe en los desconocidos,de lealtad.

He leído que hay escenas que pueden pecar de inverosímiles,lo cierto es que la película es rápida e incluso por momentos trepidante,tiene un buen ritmo y está bien dosificada de comedia y drama.
Reconocemos de inmediato un Madrid tocado (que no hundido) por la crisis,un sistema escolar que no acierta cuando de chic@s con dificultades hablamos,de unos padres que incluso cuando están ausentes determinan el universo quebrado de un muchacho que precisa ante todo,sentirse parte de un entorno que le confiera paz y estabilidad.

Es Madrid,pero podría ser cualquier otra ciudad de España,cualquier barrio de clase obrera,cualquier familia en la que los padres estén en pleno proceso de separación,una separación que lejos de ser armoniosa,rebosa reproches,ataques,enfrentamientos que parecen insalvables.
En cualquier otros ojos,ese adolescente encuentra lo que no le dan sus padres:apoyo y confianza.

Eso en el mundo de los adultos,pero de igual a igual, nuestro protagonista tiene la inmensa fortuna de tener un amigo,algo tan esencial a esa edad como respirar,bien pensado ¿a alguna edad no lo es?

Sin maniqueísmos,transgrediendo la ley en el colegio y en la calle,el espectad@r empatiza con Darío por encima de sus incalculados errores y desea que tanto él como su amigo,salgan ilesos de las venturas y desventuras que les toca vivir.
¿hay también una velada crítica al trato que un menor puede recibir de las fuerzas de seguridad?
ahí dejo la reflexión...

Es posible que una de las bazas más importantes con las que cuenta la película sea la interpretación de estos chavales que son todo un descubrimiento, tan creible y honesta,que nos olvidamos por momentos de que estén actuando : Miguel Herrán y Antonio Bachiller,a los que a partir de ahora no podremos perderles la pista pero además,están unos extraordinarios secundarios a los que no sería de recibo no mencionar :
el mecánico de motos fan de Julio Iglesias :Felipe García Vélez y como no, la anciana que va en una tartana recogiendo todo mueble aprovechable que se haya descartado en las calles de Madrid: Antonia Guzmán,la abuela (biológica o no) que tod@s quisieramos tener en la vida real.

Un cine carne de goyas, al tiempo;)

Feliz finde zinéfil@s,

Troyana

Andaba yo por el mes de abril vagabundeando en Twitter, cuando di con un artículo de la revista Les Inrocks titulado “¿Y si la publicidad de las pelis mencionara las críticas adversas?” que nos hablaba de un Tumblr, “On s’tape l’affiche” (dejo el título original porque no se me ocurre una buena traducción; ¿alguien me ayuda?), que se dedica a eso: a rehacer carteles publicitarios de películas sustituyendo los adjetivos laudatorios y ditirámbicos como formidable, maravillosa o desternillante por otros más ajustados a la realidad como fallida, soporífera o incomprensible, que los autores (Gaylord Gauvrit y Claudine Devey) entresacan de críticas auténticas publicadas en Nouvel Obs, Journal des sorties o Ecran large.

On s’tape l’affiche de Interstellar de Christopher Nolan

Y le dan caña tanto a las sombras de Grey como a Terrence Malick, al tiempo que, según declaran la autora y el autor a Les Inrocks, homenajean a las y los críticos de cine.

Servidora de ustedes, cómo no, se quiere sumar a ese homenaje, refutar ciertos consensos aprobatorios y abrir una vía de escape a su frustración, así que ha recopilado sus humildes opiniones en estas frases antipublicitarias.

Ahí van, para ustedes, con todo mi amor y mi cinefilia. Y, por supuesto, señoras y señores, sus aportaciones serán bienvenidas.

Airbag. Un festival de chistes de mal gusto.
Amarcord. El más selecto sexismo ofensivo.
Amanece que no es poco.¿Pero no veis que el absurdo anula el absurdo?
Million dollar baby.El mismo Eastwood sobrevalorado de siempre.
Sonrisas y lágrimas. Desearás que vengan los nazis y acaben con todos.
Sutter Island. No podrás creer que Scorsese haya filmado esto.
Ocho apellidos vascos. Si te ríes, te devolvemos el dinero.
Rebelde sin causa. James Dean está sobreactuado.
Al este del edén. James Dean está sobreactuado.
Gigante. James Dean está sobreactuado.

Título Blade Runner

Año 1982

Duración 112 minutos

País Estados Unidos

Director Ridley Scott

Guión David Webb Peoples, Hampton Fancher

Novela Philip K. Dick

Música Vangelis

Fotografía Jordan Cronenweth

Productora

Warner Bros. Pictures

Reparto

Harrison Ford, Rutger Hauer, Sean Young, Daryl Hannah, Edward James Olmos, Joanna Cassidy, Brion James, Joe Turkel, M. Emmet Walsh, William Sanderson, James Hong, Morgan Paull, Hy Pyke

Sinopsis

A principios del siglo XXI, la poderosa Tyrell Corporation creó, gracias a los avances de la ingeniería genética, un robot llamado Nexus 6, un ser virtualmente idéntico al hombre pero superior a él en fuerza y agilidad, al que se dio el nombre de Replicante. Estos robots trabajaban como esclavos en las colonias exteriores de la Tierra. Después de la sangrienta rebelión de un equipo de Nexus-6, los Replicantes fueron desterrados de la Tierra. Brigadas especiales de policía, los Blade Runners, tenían órdenes de matar a todos los que no hubieran acatado la condena. Pero a esto no se le llamaba ejecución, se le llamaba "retiro".

Se trata de una película de la que se pueden sacar múltiples puntos sobre los que tratar. Yo sólo mencionaré aquellos que me han llamado más la atención y por ello habrá spoilers en esta entrada.

Basada en la novela ¿Sueñan los androides con ovejas eléctricas? escrita por Philip K. Dick y publicada en 1968, Blade Runner aborda temas hasta entonces ausentes en el cine como la manipulación genética, la deshumanización o el totalitarismo policial.

A pesar de ser una película futurista -que no de acción- tiene mucho del cine noir clásico: escenas nocturnas, lluvia constante, un detective solitario, narración en primera persona… un final agridulce…. pero todo ello en una estética ciberpunk, lo que significa que nos engloba en un futuro distrópico lleno de altas tecnologías pero de bajo nivel de vida. Fue algo nuevo y, por ello, tuvo su influencia posterior en el diseño de videoclips, en publicidad, cómics y en la moda.

Blade Runner está protagonizada por actores muy conocidos a día de hoy: Harrison Ford (en aquellos años protagonista también de la saga de Star Wars e Indiana Jones), Sean Young, Rutger Hauer, Daryl Hannah, Edward James Olmos.

Su banda sonora, compuesta por Vangelis (Carros de fuego, 1981) también era algo nuevo. Dejaba a un lado la orquesta sinfónica y utilizaba el sintetizador y la electrónica.

Vangelis no escribe sus composiciones sino que la graba directamente y confiesa que no lee los guiones previamente puesto que prefiere ver las imágenes que se van grabando y crear la música directamente por intuición. Mezcla así la música electrónica con el jazz, blues, música oriental y una canción retro “One more kiss, dear” compuesta también por él.

Dos son los fragmentos que quiero destacar de esta banda sonora:

a pesar de que los Blade Runner y los replicantes no deberían tener sentimientos, surge una atracción entre el Deckar (Harrison Ford) y Rachel (Sean Young). En estos momentos podemos escuchar un tema de amor en la que se escuchan el sintetizador y un saxo.

el fragmento de los títulos de crédito es seguramente el más conocido de todos siendo aquí una música tecno.

Para muchos, hay cosas en el guión que no están del todo cerradas o que dan lugar a diferentes interpretaciones. Esto quizás se deba a cambios en el guión y problemas presupuestarios.

en un principio se necesitan los servicios del mejor Blade Runner, Deckar, para ‘retirar’ a seis replicantes. De ellos, uno muere durante una fuga, así que Deckar debe ‘retirar’ a los otros cinco, sin embargo sólo ‘retira’ a cuatro. ¿Quién es el quinto replicante? He leído varias respuestas a esta pregunta: personaje eliminado sobre la marcha sin cambiar lo ya rodado, que sea Rachel (Sean Young) o incluso Deckar (Harrison Ford).

el significado del unicornio… si es que lo tiene… Deckar (Harrison Ford) sueña con un unicornio, animal mitológico que si vive en cautividad muere, lo que transmite una idea de libertad, algo que es lo que buscan los replicantes. El policía Gaff (Edward James Olmos) realiza origami en forma de unicornios y deja que Deckar los vea porque sabe que Deckar sueña con el unicornio. ¿Es Deckar un replicante entonces y Gaff el verdadero Blade Runner?

La productora de la película no permitió que se mantuviera la idea original del director ni la música original así que en la versión de 19892, la banda sonora está interpretada por una orquesta sinfónica. En 1992, el director Ridley Scott pudo subsanar dichos cambios creando la película como debería haber sido desde el principio.

La secuencia final es una de las mejores muertes rodadas en el cine que se ha convertido en todo un clásico: en una azotea, de noche y bajo una lluvia incesante el replicante Roy (Rutger Hauer), pronuncia su última frase. Cierra los ojos y deja volar a la paloma que tiene entre sus manos.

Como veis, es una película que da par mucho que hablar y, por supuesto, mucho que visionar. Yo no he leído la novela Philip K. Dick, donde quizás todo esté mucho más claro.... o no.

Espero que os animéis a verla o a comentar todo aquello que os ha impresionado de Blade Runner.

La verdad es que tenía pensado hablar de otra cosa, pero la procastinación impenitente y el fallecimiento de uno de los actores que más cine de terror ha realizado jamás, como es Christopher Lee, me llevan a hacerle un pequeño homenaje.

Dráculas hay muchos, pero Lee es único

A comienzos de los años dorados del cine había grandes intérpretes de cine de terror: Bela Lugosi, Boris Karloff, Lon Chaney, pero con una diferencia de cuarenta años hubo un actor, el señor Lee, que fue el condre Drácula más absoluto durante los años 60 gracias a las producciones de la casa Hammer, dedicada al terror.

Esos ojicos rojos..¿Qué ha fumado, conde?

Christopher Lee, un conde Drácula de altura, no en vano medía casi dos metros, nació en Londres en 1923 en el barrio pijo de Belgravia, hijo de un militar británico y una noble italiana. Estudió en Suiza sus primeros años de escolar y luego regresó al Reino Unido para sus estudios superiores. Quiso entrar en Eton, pero M.R. James, escritor de historias de terror, de voz tenebrosa y figura inquietante, rechazó su solicitud. Mira tú por donde, James rechazó al conde Drácula cuando era universitario.

Simpática imagen

Cuando empezó la segunda guerra mundial, Lee era un joven que se alistó en la Royal Air Force, haciendo campañas militares por el Mediterráneo y acabó licenciándose como teniente, lo cual tiene su gracia, porque cuando preparaban la ambiciosa peli-mito sobre el desembarco de Normandía, que se tituló "el día más largo" (1962), lo rechazaron porque no daba el nivel de militar, lo cual no deja de tener su gracia. John Wayne, por lo visto si lo daba, aunque en esta ocasión no hubiera caballos, ni indios disparando flechas.

Qué miedito da carlos de Inglaterra

Después de algún papel menor de figurante, la Hammer productions, especialista en pelis de terror, lo contrató a él y al también inquietante Peter Cushing para rodar "la maldición de Frankenstein", donde Lee hace de Frankenstein, gracias a su altura, y Cushing al doctor Víctor Frankenstein, padre de la criartura. Desde este momento, estos dos actores, iconos del terror, se convirtieron en grandes amigos.

Drácula y Van Helsing son amigos

Después de hacer del monstruo-puzzle, la Hammer lo enfunda en un smocking y una capa tipo la de Ramón García para dar las campanadas, y lo manda a una Transilvania de cartón-piedra para encarnar a un conde Dracula con brillantina en el pelo y bastante dandy. Desde este momento, Christopher Lee pasa a ser el conde Drácula en infinidad de películas que, a buen seguro, que tenemos escondidas en nuestra memoria. Con permiso de Lugosi, Christopher Lee ES EL CONDE DRÁCULA. En ese compendio de vampiros que hizo nuestra compañera Bargalloneta, destaca, como no, nuestro elegante Lee, aunque también hizo de la momia y hasta del señor de Baskerville en una peli donde su amigo Cushing hacía de Sherlock Holmes.

¡Y también fue la momia!

Nada dura eternamente, y el interés por el cine de terror decae en los 70 (Más o menos a la par que el western) Lee busca otras interpretaciones y, sin alejarse demasiado del terror, encarna a Fu Manchú. Sus ojos almendrados ayudan bastante para "orientalizarnos" a Lee.

El malvado oriental

Hace, como no puede ser de otra manera, de malvado en una de las pelis de James Bond, donde 007 es Roger Moore, y esto tiene gracia porque Lee era primo (Más bien "primastro") de Ian Fleming, autor del agente chulopiscinas del servicio secreto británico.

Malo de Bond

En los 70, cuando Richard Lester rueda una de las versiones de "los tres mosqueteros", donde Michael York hace de D'artagnan, Lee es ni más ni menos que Rochefort.

Espadachín francés

Durante los 70 participa en infinidad de proyectos para cine y televisión. Sale en aeropuerto 77, porque el cine de terror está de capa caída, pero el de catástrofes en plena ebullición, y hasta rueda con Spielberg haciendo de nazi en 1941.

Lee, Price y Cushing, tres inquietantes del cine de terror.

Tim Burton, ese inspirado director del género de terror, rescata a Lee para sus góticas pelis y acaba haciendo de alcalde en Sleepy hollow, de dr. Wonka en Charlie y la fábrica de chocolate, y prestando su gran voz en la peli de animación la novia cadáver.

Caballero del lado oscuro

Porque, esa es otra, Lee, que poseía una dicción impecable (Sobre todo para los que somos duros de oído en inglés), tenía un tono de voz tan imponente como su estatura, y así, cuando el boom de los videojuegos alcanzó al cine, prestó, en incontables ocasiones, sus cuerdas vocales para otorgar alma a los personajes en estos pasatiempos.

Saruman

Como broche a su filmografía, sus últimos papeles estelares fueron con dos sagas míticas: Star Wars, donde hace del conde Dooku, pero, sobre todo, con el señor de los anillos, de Peter Jackson, donde interpreta al mago Saruman, gracias al cual, las jóvenes generaciones que no tienen bien ubicado a Drácula, conocen al gran Christopher Lee. Sus réplicas como Saruman a Gandalf, Dos magos barbudos, largos y poderosos, han hecho las delicias de los espectadores aficionados a Tolkien.

Inquietante...¿No?

Christopher Lee tuvo el lujo, además de una longeva vida, de trabajar hasta el último momento de su vida. Y es que Lee es inmortal, como sus personajes. Como el mismo Drácula.

Juli Gan

-¿Por qué te ofuscas de ese modo, Will?. ¿Has olvidado quién es?, ¿has olvidado lo que ha hecho en el pueblo?, ¿has olvidado que está loco?. No recuerdas que sentado en ese sillón dijo "¡Jamás me colgarán!, yo volveré y mataré a Will Kane. ¡Lo juro!, ¡le mataré!".

"Solo ante el peligro" Fred Zinnemann
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Tras años de leal servicio como sheriff de un pequeño pueblo Will Kane tiene todo listo para retirarse con su joven esposa y llevar una vida tranquila juntos. Sin embargo su último día como agente de la ley será más duro de lo que imaginaba pues, nada más casarse, le informarán de que un peligroso pistolero al que encerró ha sido puesto en libertad y se dirige al pueblo junto a sus secuaces para vengarse de él.

Todos tratan de convencer a Will para que huya, pero movido por un inquebrantable sentido del honor el sheriff insiste en quedarse para hacer frente a los malos, contando eso sí, con el apoyo de sus vecinos. Apoyo que se va desvaneciendo a medida que se acerca la hora del enfrentamiento, que finalmente tendrá que llevar a cabo él solo.

"Solo ante el peligro" es uno de los clásicos más famosos de la historia y una obra de calidad incuestionable, pero yo no me aventuraría a considerarla uno de los mejores westerns de la historia, tal y como consta en varias listas.

No cabe duda de que el guión es estupendo, la música mola, tiene un ritmo impresionante (la acción transcurre en tiempo real) y todo el reparto está de diez (y lo dice alguien que no es fan de Gary Cooper precisamente), pero no es un western. Al menos no para mí.

Gracias a mi padre, gran aficionado al género, he visto muchas pelis del oeste y (aunque hay excepciones) la gran mayoría de ellas consiste en ver a un pistolero o un reducido grupo de pistoleros enfrentándose a un número siempre superior de malos en una misión objetivamente suicida. Este esquema se repite en pelis tan conocidas como"Los siete magníficos", "Los profesionales", "Grupo salvaje", "La muerte tenía un precio", y tantos otros filmes que sí considero westerns puros y duros.

Ahora seguramente estaréis confusos, preguntándoos "¿Acaso no es este el argumento de "Solo ante el peligro"?... hasta el título lo dice". Y sí, tenéis razón, pero es lo único que tiene de western. Eso y los caballos, claro. Por lo demás la peli carece de cualquier otro elemento del género (tiroteos, peleas, persecuciones...) hasta el inevitable (y algo decepcionante) enfrentamiento final. En realidad "Solo ante el peligro" consiste en las tristes idas y venidas de Gary Cooper por el pueblo, mendigando ayuda a los vecinos mientras estos le dan la espalda de la manera más miserable.

De hecho dicen que Howard Hawks encontró tan patético el que un sheriff tuviera que pedirle ayuda a la gente del pueblo que rodó "Río Bravo" como contrapunto de "Solo ante el peligro", mostrando cómo un sheriff puede enfrentarse solo a una banda de indeseables, sin pedir ayuda a nadie.
Si profundizamos un poco (sólo un poco, porque es un tema escabroso lleno de aristas) descubrimos que "Solo ante el peligro" es en realidad una metáfora de lo que vivió el guionista de la peli, Carl Foreman, cuando se negó a testificar durante la caza de brujas y pasó a formar parte de las listas negras de la industria, dándole todo el mundo la espalda. Curiosamente Gary Cooper apoyó la cruzada anticomunista en Hollywood, igual que John Wayne, que consideraba "Solo ante el peligro" un filme antiamericano.

¿Cómo es que después de todo esto sigo considerando "Solo ante el peligro" un peliculón?. Pues quizá como western no valga mucho, pero como intriga, como drama, es una obra maestra. Ver cómo uno a uno todos los amigos del prota le abandonan, escudándose en los argumentos más ruines y cobardes es en realidad una muestra de la condición humana. Eso por no hablar de la tensión constante al sentir cómo se acerca la hora del enfrentamiento y sigue sin encontrar ayuda.

Cada vez que la veo pienso que si Alfred Hitchcock hubiera hecho una peli del oeste sin duda se habría parecido a "Solo ante el peligro", idea que se refuerza gracias a la presencia de Grace Kelly, que hizo aquí su debut con 21 años. Y si os chirría verla enamorada de Gary Cooper en el filme os informo, no sólo de que ambos mantuvieron un idilio real durante el rodaje, sino que además Kelly tuvo tiempo después otro romance con Clark Gable mientras filmaban "Mogambo".

También fue aquí el debut de Lee Van Cleef, que en principio iba a ser el ayudante del sheriff hasta que algún capullo dijo que tenía la nariz demasiado grande, relegándole a ser el único de los secuaces del malo que no dice una palabra en toda la peli.

Así, "Solo ante el peligro" no sólo sirvió para relanzar la carrera de Gary Cooper, que estaba de capa caída desde hacía un tiempo (no en vano le ofrecieron el papel a Gregory Peck, Kirk Douglas, Marlon Brando, Charlton Heston y Montgomery Clift), sino que además dejó para la posteridad un western de otro tipo y aunque su carga política se haya ido diluyendo con los años sigue siendo un fiel reflejo de la naturaleza humana ante las situaciones de adversidad y los problemas ajenos.

Doctora

El mundo de las versiones de los cuentos clásicos parece demostrar, año tras año, década tras década (¿siglo tras siglo?) ser inagotable.

No faltan motivos: es el hecho de poder jugar con elementos conocidos por todos, es el caldo de cultivo idóneo para la metaliteratura y sobre todo, el humor.

Precisamente, las revisiones humorísticas son las que se han dado más en los últimos años, y han resultado ser muy rentables, en ese sentido, el éxito de Shrek demuestra la buena salud del género, y dio lugar a una serie de películas que seguían su estela, unas mejores (La increíble pero cierta historia de Caperucita Roja) y otras peores (Érase una vez, un cuento al revés) y mucho peores (Érase una vez... un cuento al revés II, y no pongo enlace por el bien de todos)

Lanzando una breve mirada a Shrek, su planteamiento y sobre todo resolución, no dejan de ser bastante clásicos: que quienes se casen y vivan felices sean un ogro o una princesa, en realidad poco importa, la estructura sigue siendo - en líneas generales - la habitual, aunque algo modernizada:

El héroe (o anti-héroe que se comporta como un héroe) y su escudero salvan a la princesa, por mucho que la princesa sepa artes marciales, o que se convierta en una ogra, bastante mona por cierto (en Hollywood la auténtica fealdad femenina es algo impensable)

Un caso aparte sería Caperucita Roja, que ha generado desde que puedo recordar, mucho antes de de Shrek en todo caso, versiones con un contenido más o menos sexual, que a estas alturas son todo menos subversivas. De hecho lo más original hoy en día sería hacer una versión en la que no hubiera asomo de sexualización del cuento.

Por otra parte, desde la propia Disney se están lanzando películas con un contenido que más o menos actualizado del cuento clásico.

En realidad la compañía mantiene una extraña dicotomía entre sus "Princesas Disney" que al parecer generan millones de dólares en concepto de márketing rosa para niñas (y solo niñas), y una heroínas cada vez menos desvalidas y más activas, que o bien luchan en pie de igualdad con el hombre (Enredados), o que no contemplan el romance entre sus cálculos (Brave) o digamos que viven sus propias historias sin que los asuntos amorosos les estorben demasiado (Frozen), por no olvidar a Mulán y su reivindicación de un salario igualitario para hombres y mujeres.

¿No, Mulán no pedía eso? Pues yo la recuerdo así (más o menos).

Así, por una parte siguen fomentando la idea de Cenicienta (“Espera que un príncipe te rescate”) pero compaginándola con la de Mulán y Mérida.

Pero, en todo caso, dejando a un lado la recomendable “Encantada, la historia de Giselle”, sus revisiones del cuento clásico no son nada subversivos, y se limitan a ser revisiones “amables”, con mayor tono humorístico, guiños a los adultos e intentando eliminar (o suavizar, o quizá solo disimular) el claro componente machista de la mayoría de los cuentos, por lo menos de las versiones que han llegado hasta nosotros.

Por otra parte, es obvio que al cuento, en su versión más estándar además de por su machismo, se le puede criticar por su contenido sangriento y a veces,y abiertamente macabro.

Esto también ha ido desapareciendo, o suavizándose en el cine más reciente, es más, hace ya años que conviven (en su versión escrita) Caperucitas en las que la abuelita se esconde en un armario, con otros en los que es devorada viva y posteriormente encontrada en las entrañas del animal al que se ha abierto en canal con un hacha que ... creo que me estoy mareando.

En realidad, hasta de "La Cenicienta" versión Disney (que ha llegado a ser una versión canónica del cuento) se eliminaron estos sangrientos componentes (que Into the Woods recupera), y las hermanastras ya no se amputan partes de sus pies para poder calzar el zapatito de cristal ni son al final atacadas por los dulces pajaritos amigos de la huérfana, que les arrancan los ojos… (¿He dicho ya que me estoy mareando?)

Con todos estos antecedentes llegamos hasta Into the woods, una película de primera línea en la que se invirtieron millones de dólares, con una producción de lujo, y un reparto de grandes estrellas como Merryl Streep (encantada de poder hacer un papel que no había hecho antes), Johnny Depp (casi un cameo, aunque muy promocionado), Emily Blunt (que aparte de su talento aporta esa extraña cualidad de las estrellas, que hace que solo puedas fijarte en ella cuando está en pantalla), y algunos nombres (algo más que) emergentes como Chris Pine y Anna Kendriks, secundarios de lujo como Tracey Ullman... y todos, absolutamente todos, demuestran unas cualidades vocales absolutamente sobresalientes (qué manera más retorcida de decir que cantan bien ¿ verdad?)

Sin embargo, con estos elementos y el atractivo que el género ha demostrado para el público, la producción fue un pequeño fracaso. Resulta extraño hablar de fracaso comercial cuando se trata de un título cuya recaudación cuadruplicó la inversión inicial, pero queda muy lejos de las recaudaciones de otros títulos de la productora como Frozen.

En concreto, en España, sospecho que no fue un título muy bien acogido, las notas y comentarios de Filmaffiny son, en general, poco elogiosos y la película en vez de convertirse en un clásico (como merecería), pasó algo desapercibida y decepcionó un poco.

En primer lugar, se me ocurre que poco la ayuda que se trate de un musical, de hecho, una versión de un musical de Broadway de James Lapine y Stephen Sondheim poco conocido en nuestro país.

Esto no tendría por qué suponer un fracaso comercial, ni mucho menos, pero es que es un musical... MUY musical.

Para entendernos, ¿os acordáis de que algunos acusaron a Frozen de tener demasiado contenido musical? Pues cuando se compara con Into The Woods, parece que tan solo incluyera un par de canciones.

En el título que nos ocupa, los diálogos son más la excepción que la regla, y la acción avanza a golpe de canción, incluso existen recitativos, es decir diálogos (o más bien monólogos) cantados.

De hecho, la profusión de partes cantadas, aburriría a más de un espectador que esperaba los tres temas de rigor de una producción Disney. Es más, ahora que no nos oye nadie, reconozco que, siendo como soy amante del género musical, las peroratas de Cenicienta pusieron a prueba mi paciencia.

A este respecto es importante hacer notar que, aun dejando a un lado los recitativos, las canciones (con una música magnífica y extraordinariamente bien interpretadas) no son, como de costumbre, meras repeticiones de una sola idea del tipo "Cuánto te quiero", "Echo de menos a mi amor", "Estoy asustado", "Me he convertido en la Reina de las Nieves y estoy encantada"... sino que avanzan y plantean temas muy profundos que no se pueden resumir en un par de frases.

En segundo, este título sufre la maldición del producto que es vendido como algo que no es, o que de alguna manera, resulta ser algo que el público no espera. En este caso, víctima de la asociación cuentos-niños, que probablemente causó más de un trauma infantil en el estreno de "El Secreto de los Hermanos Grimm".

Pero lo que seguramente ha provocado más rechazos entre el público ha sido su final, que es lo que a mí, paradójicamente me ha entusiasmado y haya hecho que pase de una película entretenida y con chispa pase a "película que merece la pena recordar".

¿Por qué? Into The Woods es, hasta ahora, la película (el musical, en realidad) que pone en duda la validez del cuento clásico en sí, que se atreve a diseccionar con un punto de vista adulto, qué necesidad hay de seguir contándolos, maquillados o no, y sobre todo, qué peligros encierra repetir a los niños estas historias, o cualquier otra, sin plantearnos qué efectos van a producir en ellos.

Todo esto se resume en la magnífica canción final: "Children are listen", con una letra compleja y llena de sugerencias.

Solo recuerdo el caso del musical Wicked (sin versión cinematográfica hasta ahora) en el que se traten temas tan serios y trascendentes aprovechando una fantasía a cuenta de El Mago de Oz.

Pero en el caso de "Into the Woods", su mayor mérito consiste, precisamente, en sus reflexiones metaliterarias, es decir en el hecho de que las reflexiones no son solo sobre temas de la vida (la responsabilidad, la culpabilidad, los deseos y el famoso "perseguir un sueño" que es poco menos que religión en el cine americano) sino la reflexión sobre el cuento en sí.

En definitiva, un producto - en principio comercial - con muchas sorpresas y mucha más enjundia de lo que su publicidad y su sinopsis puedan hacer creer, que no creo que guste a todo el mundo, pero que merece, y mucho, la pena.

Loque

Zinéfil@s,como sabeis,el sábado fué el día del Orgullo Gay, así que no podía dejar pasar la ocasión para recordar algunas historias de cine LGTB .Seguro que algunos se quedan en el aire,pero ya sabeis que estas listas nacen con la vocación de ser completadas con vuestras valiosísimas aportaciones;)

Are you ready?
Empecemos pues....

1) Orange is the new black (Jenji Kohan,2013)

Sí,es una serie,que nos lleva loc@s y si es así,es por sus fantásticas actrices,su guión y esa tensión no solo sexual y no siempre resuelta,entre sus dos protagonistas: Chapman y Alex, la primera rubia,instruida,egoísta,egocéntrica,voluble y neurótica ¿ex-hetero?
la segunda: morena,mala-malota,inteligente y transgresora. Basada en las vivencias reales de Kerman, cuya experiencia entre rejas le sirvió para escribir el best-seller autobiográfico 'Orange Is The New Black: My Year In A Women's Prison"intuyo que Kerman poco imaginaba el éxito de crítica y público que tendría la serie y como no,la repercusión sobre su libro.

"Creo que, cuando tienes una conexión con alguien, nunca desaparece del todo, ¿sabes? Volvéis a ser importantes el uno para el otro, porque lo seguís siendo" (Alex)

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

— Piper sobre Alex
- See more at: http://www.tvspoileralert.com/2014/06/10-frases-citas-orange-is-new-black.html#sthash.vU5Yujuv.dpuf

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

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"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

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2) La vida de Adèle ( Abdellatif Kechiche,2013)

....una película que despertó tantas filias como fobias,pero que nos dejó una historia de amor sin precedentes entre dos jóvenes que se amaron con locura,aún sabiendo,que siempre hay alguien que parece querer más...amante y amada,la eterno reparto de roles casi nunca equitativo o proporcionado...
"Siento que estoy fingiendo en todo.Soy yo a la que le falta algo"(Adèle)

3)Brokeback Mountain(Ang Lee, 2005)
porque Ang Lee nos sorprendió a tod@s con esta historia de amor entre cowboys.
Nunca antes habíamos visto nada igual en un mundo dominado por la supremacía de los machones que se dedican a montar toros salvajes.Contra todo pronóstico,Ang Lee nos dejó una película oscarizada que rebosaba sensibilidad y dramatisco en la América profunda.

El personaje de Ennis del Mar nos dejaba frases como ésta:
"Jacke, te juro...

...que hace poco me dí cuenta cuanto te estoy maltratando con mi falta de coraje. Quería ser yo esta vez quien vaya a buscarte, como lo hiciste despues de cuatro años aquella vez. Si... esta vez iba a ser yo. Pero siempre es tarde para mí. Perdona... sé que lo haras."

4) Fucking Amal (Lukas Moodysson, 1998)
Una historia entre quinceañeras de un pequeño pueblo sueco que con muchas dificultades intentan vivir un amor de entrada enjuiciado y perseguido.
Elin y Agnes nos dejan algunas frases como éstas:

"- ¿Qué coño estamos haciendo? ¡Estamos totalmente locas
- Ya lo sé
- Pero estamos de puta madre"

5) Lawrence anyways (Xavier Dolan, 2012)

Una de mis películas favoritas de la lista y en general,por su simbolismo,su poesía,su sutileza,brillante y sensible,Xavier Dolan,nos dejó este maravilloso alegato del amor sin límites,más allá de las fronteras de identidad de género,por encima de toda metamofosis y por encima de toda transformación...

Cuando Lawrence empieza a descubrir su identidad sexual,Fred,no se deja abatir,y va más allá:

"La primera vez que te vi,supe que me metería en algo extraordinario
¿quieres ir más lejos?
yo seré tu hombre"

" Laurence, tu has atravesado las fronteras de mi vida,
de mi ciudad, de mi calle,
solo resta que atravieses mi puerta.
Sé que sabes donde encontrarme.Fred."

6)El amor es extraño (Ira Sachs,2014)
porque siempre decimos que el amor no tiene edad,pero pocas veces los cineastas se animan a mostrar el amor romántico en la étapa de la vejez,¿tabú? más cuando se trata de un amor entre hombres maduros que no siguen el canon de la belleza actual...

7) Los chicos están bien (Lisa Cholodenko, 2010)
(contiene SPOILER)

¿por qué es tan significativo este título en las películas de temática LGTB? pues entre otras cosas porque refleja a la perfección un modelo de familia sostenido por dos madres y dos hijos(una hija y un hijo) y porque por primera vez ( o en contadas ocasiones ocurre en el cine) el amor lésbico triunfa y no acaba en muerte,suicidio,abandono o tragedia.

( FIN DEL SPOILER)

Además,estamos hablando de mujeres de mediana edad,más a su favor,al no mostrar el lesbianismo como una fase de experimentación transitoria atribuida ocasionalmente a la adolescencia.

Y aquí os dejo una frase de Jules (Julianne Moore) :

"El matrimonio es difícil, jodídamente difícil. Son dos personas caminando a través de la mierda, año tras año, envejeciendo, cambiando. Es un maldito maratón ¿Vale? Y a veces, bueno, llevan tanto juntas que dejan de ver a la otra persona. Solo ven extrañas proyecciones de su propia basura. En vez de hablarse la una a la otra, dejan de ser racionales, juegan sucio, y hacen elecciones estúpidas, que es lo que yo hice, y me siento fatal porque os quiero chicos y quiero a vuestra madre. Y esa es la verdad."

Si os ha venido a la cabeza algún título o fotograma más,no dudeis en compartirlo con nosotras.

Féliz fin de semana y feliz verano, querid@s Zinéfil@s,

Troyana

Lo sentimos, pero no da la edad para el papel

Birdman ( o la inesperada virtud de la ignorancia)

Kelly y Spoto

Relatos salvajes

Loreak (Flores, 2014)

Gilda

Pride. Orgullo y Prejuicio(s)

Carlos Vermut, talento innovador, de “Diamond Flash” a “ Magical Girl”

Daños y perjuicios (Damages)

La mujer del cuadro

Locos por la laca (Hairspray, 1988)

La bruja novata

La telaraña de Jane Austen (y cómo Colin Firth cayó en ella)

A cambio de nada

Antipublicidad y cinefilia

Blade Runner

Drácula vuelve a la tumba (Honor a Christopher Lee)

Solo ante el peligro

Into the woods

7 FOTOGRAMAS LGTB

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

"- ¿Qué coño estamos haciendo? ¡Estamos totalmente locas
- Ya lo sé
- Pero estamos de puta madre"

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

"Alex Vause was never the lamb. She is the wolf that eats the lamb"

"- ¿Qué coño estamos haciendo? ¡Estamos totalmente locas - Ya lo sé - Pero estamos de puta madre"

"- ¿Qué coño estamos haciendo? ¡Estamos totalmente locas
- Ya lo sé
- Pero estamos de puta madre"